Uma Banda Por Dia

Homens trabalhando

2011-04-07T11:50:00.002-03:00

Não. Não é um post sobre a banda "Men At Work" nem algo que o valha. Na verdade, venho em nome de todos os colaboradores do "Uma Banda por Dia" anunciar que ~~o governo liberou a verba de 1,3 milhão para continuação do blog~~ estamos trabalhando para o retorno do blog que acontecerá muito em breve, voltando à rotina de um som novo+resenha todos os santos dias. Teremos algumas novidades que em breve vocês também saberão. De toda forma, podem preparar a cerveja e a carne que em breve estaremos aí. Acompanhem no @umabandapordia

Aquele abraço!.

Out Ill Wills - Shout Out Louds

2010-09-04T08:57:00.000-03:00

Essa é, sem duvida, uma das bandas mais gostosinhas de ouvir que encontrei nos últimos tempos. Shout Out Louds é uma banda da Suécia e faz aquele pop do país que o mundo todo já conhece, divertidinho, bonitinho, gostosinho e tudo mais no diminutivo, mas sempre de uma qualidade sem igual.

O álbum é simplesmente lindo, as faixas são extremamente contagiantes e eu poderia falar de cada uma em especial, mas como eu nunca tenho o tempo, vamos generalizar: são aquelas músicas que você gostaria de ouvir quando estivesse deitado, com fones de ouvido, em algum lugar friozinho enquanto olha para o nada. "You Are Dreaming" é uma coisa tão legal, com uma letra tão legal quanto, que diversas vezes eu me pego repetindo ela sem parar."Impossible", "Tonight I Have To Leave It", "Your Parents Living Room" e "Normandie" são outras que eu destaco pelo som impecável, um indie/twee/pop tão bonito quando deve e poderia ser.

Shout Out Louds é algo que você gostaria de ouvir no domingo a tarde, quando levanta os pés para o alto, olha para qualquer lugar e fica fazendo bosta nenhuma até cansar de nada. Os demais álbuns seguem a mesma linha do Our Ill Wills, mantendo o pop animadinho e bem feito. A grande quantidade de diminutivos nesse post não deve levar ninguém que essa é uma bandinha, o caso é que o som é sentido de uma maneira tão carinhosa, que essas palavras assim encaixam-se perfeitamente.

Recomendo do começo ao fim, e não só o álbum do post. Shout Out Louds não decepciona em aspecto algum e jamais me cansou. É difícil não pensar em boa parte da vida ouvindo esses caras, e o foda é que isso é bom pra caralho, no final das contas.

The Stringer Atx

2010-09-03T17:59:00.000-03:00

The Stringer ATX é uma banda, acreditem, de Austin, no Texas. Formada em 1998, é de um ska e rocksteady impecável. Nunca fui dos maiores fãs de reagge, mas os demais ritmos jamaicanos me divertem pra caralho, e esses bom rapazes fazem isso genialmente. Para visualizar um pouco a qualidade, a banda já dividiu o palco com nomes de calibre, como Neville Staple, do The Specials, e com os Skatalites, banda que dispensa qualquer espécie de comentários, ela fala por si só.

O CD que ouvi para o desenvolvimento do post foi o This Time Around..., uma escolha de quinze músicas que considerei ótima, já que foi um daqueles álbuns que ouço e na primeira tentativa fico completamente impressionado, nas segundas eu continuo me divertindo e nas demais a diversão continua. Além do ska e do rocksteady, as pitadas de soul completam ainda mais o conjunto, e quem conhece sabe que essa mistura dificilmente deixa qualquer um na mão. Obviamente algumas faixas se destacaram em meus ouvidos, e delas acredito que "Falling From The Edge", "Regards To You", "This Time Around", "Too Many Charms" e "Sunday" são as que eu posso dizer que me pego cantando sozinho no chuveiro.

As músicas são bem criadas, com ótima instrumentação e os vocais não ficam para trás. De um tempo para cá, descobri que o som do trompete pode me conquistar de uma maneira absurda, digo isso por conta de duas bandas já comentadas aqui (RX Bandits e Rotterdam Ska Jazz Foundation), e agora, também, pelo The Stringer ATX. A atenção as letras também deve contar pontos, uma vez que acompanham a qualidade de toda a parte "tocada", devo dizer.

Por fim, digo que os caras merecem o respeito e a aclamação que lhes é dada. São poucas as bandas atuais que conseguem manter a tradição e acrescentar novos elementos com tamanha naturalidade, e The Stringers ATX é uma delas. Descobri a banda por acaso, e gostei muito, então é dela que vem o novo post do UBPD, marcando algo que espero ser a volta. E marcando com altíssima qualidade.

A - falta de - justificativa.

2010-09-03T17:28:00.000-03:00

Claro, em primeiro lugar eu gostaria de pedir desculpas a todos, mesmo que poucos, leitores do blog pela ausência injustificada de todos os membros durante tantos meses. É foda, todos tiveram seus motivos e não vou especificar nada do tipo, nem mesmo os meus, não nego que boa parte foi uma certa preguiça, mas faculdade, estágio, namoro e todas as outras coisas da vida gostam de consumir tempo.

Pessoalmente, pretendo voltar aos poucos com as postagens diárias, não garanto que terei condições de manter uma seqüência logo de cara e nem mesmo comentei com o André e com Oswaldo sobre a segunda tentativa no Uma Banda Por Dia, mas acredito que ao verem ao menos um dos três tentando, a vontade volte. É uma iniciativa boa, divertida tanto para vocês quanto para nós, e, francamente, nada melhor para quem gosta de música do que falar - ou tentar - de música.

Ah, pensei em continuar com esse post para uma banda, mas como ele tomou certo corpo, mais alguns minutos e teremos um post inédito, para variar.

The Sounds - Dying to Say This to You

2010-03-07T16:54:00.003-03:00

The Sounds é um quinteto sueco formado em 1999 e que lançou seu debut, Living in America, em 2002 e seu segundo álbum, Dying to Say This to You, em 2006. Dizer que The Sounds tem um som meio new wave parecido com Blondie é ‘fácil’ demais - é sempre bastante óbvio, desde os instrumentais com certas influências de punk mas recheados de teclados grudentos até os vocais de Maia Ivarsson, que às vezes são assustadoramente parecidos com os de Dabbie Harry. Mas toda essa suposta ‘falta’ de originalidade não prejudica o andamento de forma alguma.

Dying to Say This to You não é tão diferente do debut, apenas elevou o som leve e divertido que abundou Living in America a um outro nível, mais ‘sólido’ e talvez até mais adulto. Com uma produção impecável, refrões incríveis e ótimas letras, é fácil colocar o álbum no repeat e o ouvir por horas. A primeira música, “Song With a Mission”, já dita o clima energético e explosivo de Dying to Say This to You que é mantido com perfeição até a última música - salvo “Night After Night”, a sexta faixa, que é uma balada bem calma feita tendo o piano como base. Vale a pena dizer que a última faixa do álbum é uma reinterpretação de “Night After Night”, feita dessa vez com a mesma energia, guitarra e teclados presentes no resto do álbum. Dying to Say This to You não poderia ser encerrarado de uma forma melhor.

Faixas: “Song With a Mission”, “Tony the Beat”, “24 Hours”, “Night After Night”, “Ego”, “Running Out of Turbo”, “Night After Night (Rock Version)”, “Painted by Numbers”.

The Dead Weather - Horehound

2010-03-06T14:56:00.003-03:00

The Dead Weather é uma ‘superbanda’ formada em 2009 por nomes de peso: Jack White (The White Stripes), Alison Mosshart (The Kills), Dean Fertita (Queens of the Stone Age) e Jack Lawrence (The Raconteurs). Com essa formação, o que poderia dar errado? Em teoria, nada. Mas Horehound, seu debut lançado em Julho de 2009, acabou sendo uma das maiores decepções dos últimos tempos. Há sim músicas ótimas que acabam combinando o som das quatro bandas em um, mas no geral Horehound é repetitivo e decepcionante.

Os vocais de Alison são, como sempre, bastante fortes e às vezes acabam sendo a única coisa que salva uma ou outra música. Em Dead Weather, Jack White abandonou a guitarra e é responsável pela bateria - e faz isso, como era de se esperar (Jack White!), com uma competência singular. Mas não é seu melhor instrumento - talvez se White estivesse atirando seus tradicionais riffs de guitarra incríveis o rumo de Horehound fosse outro. O som é bastante pesado com um blues intrínseco bastante forte - tem até um excelente cover de “New Pony” do Bob Dylan, que é um dos pontos altos do álbum.

Horehound é um rock‘n’roll blues bastante clássico mas que, talvez por causa de uma produção um pouco ‘exagerada’, parece estar ‘tentando’ demais e isso faz com que soe meio falso às vezes. Ainda sim, Horehound vale a pena ser ouvido - afinal, não é todo dia que músicos como esses se juntam pra fazer um álbum.

Faixas: “Treat Me Like Your Mother”, “Rocking Horse”, “New Pony”, “No Hassle Night”.

Yeah Yeah Yeahs - It's Blitz!

2010-03-05T19:43:00.004-03:00

Aproveitando o arco de ‘mudanças radicais no som de uma banda’, It's Blitz! é um ótimo exemplo. Yeah Yeah Yeahs é um trio de NYC formado por Karen O, Nick Zinner e Brian Chase que faz (ou fazia) um ‘art punk’ de primeira, se é que tal termo existe. It's Blitz! é seu terceiro álbum, foi lançado no começo de 2009 e é recheado de teclados, sintetizadores e influências eletrônicas - e é tão ‘clássico instantâneo’ quanto seu debut, Fever to Tell, que é um punk rock explosivo, simples e agressivo, quase sádico, lançado seis anos antes.

It's Blitz! pode soar esquisito a primeira vez que se ouve - Yeah Yeah Yeahs sem os gritos e gemidos de Karen O? -, mas as músicas têm uma qualidade tão elevada que é fácil de se acostumar com isso e simplesmente aproveitar o álbum. Em “Zero”, a primeira faixa e uma das melhores da carreira da banda, todas as mudanças já são bastante nítidas. Há certas oscilações ao longo das dez músicas, mas em geral o padrão altíssimo estabelecido por “Zero” é mantido com maestria e chega a seu auge na quinta faixa, “Dull Life”. It's Blitz! equilibra músicas que poderiam ter saído do Fever to Tell, como “Dull Life”, com outras bem mais calmas, como “Runaway” (que é um pouquinho longa demais, mas não deixa de ser um dos pontos altos do álbum), com uma naturalidade impressionante.

Pode não ser o melhor trabalho da banda - esse título ainda fica com seu segundo trabalho, Show Your Bones -, mas It's Blitz! é com certeza o álbum mais completo, balanceado e coeso lançado por eles até hoje. Ainda assim, é meio difícil não sentir uma certa saudadezinha de “Tick”, “Phenomena”, “Honeybear”, “Déjà Vu”, ou “Y Control”.

Faixas: “Dull Life”, “Zero”, “Hysteric”, “Heads Will Roll”, “Shame and Fortune”, “Runaway”.

Peter Bjorn and John - Living Thing

2010-03-04T19:44:00.003-03:00

Peter Bjorn and John é um trio formado em Estocolmo, Suécia, por Peter Morén (guitarra/voz), Björn Yttling (baixo/teclado) e John Eriksson (bateria). Em 2006, lançaram seu terceiro álbum, o sublime Writer's Block, lar de seu maior hit, “Young Folks”. Depois disso, em 2008, teve o ‘bom-mas-não-ótimo’ Seaside Rock que é, essencialmente, um álbum instrumental. E, em 2009, lançaram o Living Thing que foi uma gigantesca decepção na primeira ouvida. O baixista Björn acabou produzindo, em 2008, o excelente debut da Lykke Li e usando aqui um pouco de todo aquele quase-experimentalismo, principalmente das percussões, que deu tão certo no Youth Novels, mas isso parece meio fora de lugar com Peter Bjorn and John e às vezes até exagerado.

Mas depois de se acostumar com essa mudança mais-que-drástica no som da banda, dá pra ver que Living Thing na verdade não é tão ruim assim. Há sim camadas e efeitos às vezes desnecessários, sobretudo nos vocais, que acabaram moldando o até então incrível som do Peter Bjorn and John, mas o básico, que é fazer músicas boas e competentes, ainda está aqui - só foi feito de uma forma completamente diferente. Living Thing pode ser visto como quase um ‘segundo debut’ - vale a pena ouví-lo com atenção, principalmente se você conhece os outros trabalhos da banda. Embora seja ‘interessante’, eu não posso deixar de querer que eles voltem para o som dos seus trabalhos anteriores em seu próximo álbum.

Faixas: “It Don't Move Me”, “Nothing to Worry About”, “I Want You!”, “Lay It Down”, “Blue Period Picasso”.

Superchunk - No Pocky for Kitty

2010-03-03T20:53:00.002-03:00

Superchunk é uma banda de Chapel Hill, North Carolina, formada em 1989. Encabeçada por Mac McCaughan, é uma das melhores e mais representativas bandas de indie rock lo-fi nos anos 90. No Pocky for Kitty é seu segundo álbum de estúdio, lançado em 1991, e produzido por Steve Albini. O debut da banda, Superchunk (1990), foi um ótimo álbum com seus altos e baixos - mas No Pocky for Kitty foi o primeiro lançamento do Superchunk que simplesmente não decepciona em momento algum.

A faixa de abertura, “Skip Steps 1 & 3”, já define bem o clima do álbum todo: rápida, agressiva, energética, punk. Clima esse que não é suavizado e nem perdido em nenhum instante e, como resultado, são pouco mais de trinta minutos do indie rock em seu melhor. As músicas são bastante simples, mas o que não faltam são riffs ardentes de guitarra, baterias expressivas e linhas de baixo sutis mas que fazem seu trabalho com perfeição.

Todo o punk rock ‘do it yourself’, que é abundante em todos os trabalhos da banda, faz com que Superchunk seja atemporal - o fato de No Pocky for Kitty ter sido lançado quase vinte anos atrás não o torna nem um pouco menos revigorante.

Até hoje a banda continua ativa, apesar de seu último trabalho completo, Here's to Shutting Up, ter sido lançado há quase dez anos, em 2001. Nessa última década, lançaram esporadicamente algumas coisas, como álbuns ao vivo e compilações, mas em 2009 saiu um EP com quatro faixas chamado Leaves in the Gutter que mostra um Superchunk tão bom quanto sempre foi - o que faz do fato de que ainda não há nenhuma previsão para um novo álbum completo algo excruciante.

Faixas: “Skip Steps 1 & 3”, “Cast Iron”, “Punch Me Harder”, “Press”, “30 Xtra”, “Throwing Things”, “Seed Toss”.

Vampire Weekend - Contra

2010-03-02T21:27:00.005-03:00

Vampire Weekend é um quarteto nova-iorquino que lançou seu primeiro álbum, Vampire Weekend, em 2008. E, sinceramente, seu debut não me impressionou muito. Ele possui, sim, momentos ótimos - como “M79” e “I Stand Corrected” - mas com certeza as melhores coisas vindas de Vampire Weekend foram os clipes dos singles. Quando eles lançaram o primeiro single de Contra, “Cousins”, a música não me agradou nem um pouco e em decorrência disso, nem me animei em ir atrás de seu segundo álbum, que saiu em janeiro de 2010. Só que quando o vídeo de “Giving Up The Gun” saiu, além do clipe genial, a música era uma das melhores que eu ouvi esse ano. Fiquei muito feliz quando descobri que “Cousins” é, na verdade, a pior música do álbum.

Contra, assim como Vampire Weekend, foi produzido pelo guitarrista/tecladista da banda, Rostam Batmanglij, e seu som não é tão diferente do debut, mas tudo aqui é muito mais bem elaborado e, antes de tudo, organizado. O resultado é um álbum com guitarras menos afobadas e teclados mais marcantes, com toques eletrônicos que também elevaram a qualidade das músicas. Mas, naturalmente, Contra não é um álbum perfeito e eles dão algumas ‘escorregadas’ - como em “Cousins” e “California English”.

Vampire Weekend está e sempre esteve longe de ser uma banda punk, mas a influência de The Clash, principalmente do álbum Sandinista! (1980) é bastante clara - e isso combinado com as batidas e vocais inspirados em música africana, que já vinham desde Vampire Weekend, cria um som bastante peculiar (tem até um sample de “Hussel”, da M.I.A., na faixa “Diplomat's Son”).

No geral, Contra foi uma das surpresas mais agradáveis que eu tive esse ano e me arrependi muito de ter esperado tanto tempo para ouví-lo. É um álbum bastante recomendado.

No geral, Contra foi uma das surpresas mais agradáveis que eu tive esse ano e me arrependi muito de ter esperado tanto tempo para ouví-lo. É um álbum bastante recomendado.

Faixas: “Giving Up The Gun”, “Horchata”, “Diplomat's Son”, “Holiday”, “I Think Ur A Contra”.

The Magnetic Fields - 69 Love Songs

2010-03-01T15:53:00.006-03:00

Nada melhor do que começar a semana (e o mês!) com um dos álbuns mais épicos já lançados: 69 Love Songs, de 1999. Sexto álbum da brilhante carreira do Magnetic Fields, 69 Love Songs é exatamente o que seu título implica. Além do frontman Stephin Merritt, há outros quatro vocalistas que dividem as músicas, incluindo a própria baterista do Magnetic Fields, Claudia Gonson. E, com quase três horas e (óbvio) sessenta e nove músicas, há tempo de sobra pra experimentar vários gêneros e estilos diferentes - alguns são evidenciados no título da música, como “Punk Love” ou “Love Is Like Jazz” - mas, no geral, o que predomina é o indie pop não-ortodoxo que o Magnetic Fields faz com perfeição desde que começou. Também é possível traçar paralelos, quase ‘homenagens’, a outros artistas como The Jesus and Mary Chain (“When My Boy Walks Down The Street”), Billie Holiday (“My Only Friend”), Cole Porter (“Zebra”) e Paul Simon (“World Love”).

As letras, que foram todas escritas por Stephin Merritt, têm certas imagens recorrentes, como animais (ursos, peixes, morcegos, coelhos, cães, cobras), lugares (Paris, Veneza, NYC) e também outros temas mais comuns na carreira de Merrit como um todo (a lua, olhos, chuva). Ademais, o uso de instrumentos não muito convencionais - ukeleles, marxofones, cítaras, saltérios, ocarinas, bandolins -, em sua maioria acústicos, também dão um toque mais especial às composições. Como, no geral, as músicas são bastante curtas (dezesseis delas terminam antes da marca dos dois minutos e a mais longa tem apenas cinco), 69 Love Songs está longe de ser cansativo. É um álbum bastante consistente e os pontos altos, que acabam ficando um passo além do ‘genial’, não são tão raros como pode se pensar. Provavelmente o maior obstáculo é a voz bastante grave e nem sempre ‘confortável’ de Merritt - mas assim que você conseguir se acostumar com isso, entenderá por que ele é um dos melhores músicos e poetas de todos os tempos.

Faixas: “Absolutely Cuckoo”, “A Chicken With Its Head Cut Off”, “Let's Pretend We're Bunny Rabbits”, “The Luckiest Guy on the Lower East Side”, “Nothing Matters When We're Dancing”, “When My Boy Walks Down The Street”, “Underwear”, “Asleep and Dreaming”, “Papa Was A Rodeo”, “I'm Sorry I Love You”, “For We Are The King of The Boudoir”, “The Night You Can't Remember”, “The Way You Say Good-Night”, “Promises of Eternity”, “Sweet-Lovin' Man”, “Time Enough for Rocking When We're Old”, “How Fucking Romantic”, “The Death of Ferdinand De Saussure”, “(Crazy For You) But Not That Crazy”, “I Don't Wanna Get Over You”.

(colocar vinte, de um total de sessenta e nove, é exagero?)

The Boy Least Likely To - The Best Party Ever

2010-02-28T17:51:00.002-03:00

The Boy Least Likely To, uma dupla formada por Pete Hobbs e Jof Owen na Inglaterra, é uma das bandas mais ‘cute’ e twee de todos os tempos. Seu debut, The Best Party Ever (2005), tem uma combinação perfeita de banjos, glockenspiels, palmas, percussões leves, tecladinhos, flautas e violinos - tudo isso junto com as letras que oscilam entre bastante doces e quase sombrias. É fácil se perder no meio das composições.

The Boy Least Likely To já foi descrito como o que aconteceria se bicinhos de pelúcia se reunissem e formassem uma banda - e é exatamente isso mesmo. Seu som é bastante inocente e infantil. “I See Spiders When I Close My Eyes” tem uma letra tão paranóica quanto o título sugere, mas, no geral, The Best Party Ever é um álbum extremamente positivo, bem-humorado e divertido que vai, com certeza, colocar um sorriso em seu rosto.

Faixas: “Be Gentle With Me”, “I'm Glad I Hitched My Apple Wagon To Your Star”, “Warm Panda Cola”, “Paper Cuts”, “Hugging My Grudge”, “The Battle of The Boy Least Likely To”, “I See Spiders When I Close My Eyes”.

The Rentals - Return of the Rentals

2010-02-27T17:32:00.003-03:00

The Rentals é uma banda que foi iniciada por Matt Sharp, baixista do Weezer, em 1995 depois que ele saiu do Weezer. Apesar do nome do álbum, Return of the Rentals (1995) é seu debut - que conta com a participação de Patrick Wilson (baterista do Weezer) e Petra Haden (violinista do that dog.), entre outros. O maior diferencial do Rentals, em relação ao Weezer, é que suas composições têm melodias bastante divertidas baseadas em sintetizadores moog e violinos. Sharp divide os vocais com Cherielynn Westrich, criando dinâmicas interessantes entre os vocais masculinos e femininos.

Return of the Rentals é um álbum pop memorável que flerta com o new wave o tempo todo. Com letras basicamente sobre amor e às vezes bastante enigmáticas, The Rentals nunca perde a energia e a espontaneidade, tornando-o agradável de ouvir. As músicas são leves e divertidas, com ganchos que grudam e ficam em sua cabeça por horas. The Rentals pode não ter sido a maior banda dos anos 90, mas com certeza foram bastante influentes. Bandas como Yeah Yeah Yeahs, Tegan and Sara e Ash já regravaram versões de suas músicas.

Em 1999 lançaram um segundo álbum, Seven More Minutes, que conta com músicos convidados como Damon Albarn (Blur), Miki Berenyi (Lush) e Donna Matthews (Elastica), mas Seven More Minutes, principalmente em comparação com Return of the Rentals, falha em conseguir o tom de inocência e novidade apresentado pelo Rentals em seu debut - mas mesmo assim vale a pena ouvir.

Matt Sharp reuniu o The Rentals em 2005 e lançou um EP chamado The Last Little Life dois anos depois. Em 2009, a banda fez um projeto chamado Songs About Time dividido em várias partes: Photographies About Days (365 fotografias, uma por dia), Films About Weeks (52 curtas, um por semana) e Songs About Time (3 EPs, lançados em abril, julho e outubro). Mas ainda não há nenhuma notícia se eles pretendem fazer um terceiro álbum completo.

Faixas: “The Love I'm Searching For”, “Waiting”, “Friends Of P.”, “Please Let That Be You”, “Sweetness and Tenderness”, “Brilliant Boy”.

Soren Well - Starry Eyes Gone Blank Tonight EP

2010-02-26T16:00:00.006-03:00

Soren Well apareceu no Brooklyn, NYC, e faz um shoegaze de primeira. Lançaram seu primeiro EP, Starry Eyes Gone Blank Tonight, em Dezembro de 2009 e apesar de serem só seis faixas, é uma grande prova de que o quinteto tem competência de sobra. Seu som parece ter saído diretamente do começo dos anos 90, quando shoegaze vivia o seu auge. É quase impossível acreditar que Starry Eyes Gone Blank Tonight é, de fato, seu primeiro lançamento.

Além do óbvio My Bloody Valentine, também é possível identificar traços de Chapterhouse, The Smashing Pumpkins, Ride e Blur (principalmente do Leisure), assim como de bandas mais atuais como A Place to Bury Strangers, fazendo um som bastante onírico. E pra completar tudo, as letras do Soren Well também são excepcionais. Você coloca pra tocar a primeira faixa, “After”, e quando se dá por si, já está no final da última, “Glass”, e nem percebeu o tempo passar - você tem sorte se conseguir lembrar-se de respirar nesse meio tempo.

Palavras como ‘incrível’, ‘fenomenal’ e até ‘viciante’ não são suficientes. Só ouvindo.

Soren Well, com toda sua genialidade, mostra que o ‘newgaze/shoegaze revival’ dos anos 2000 não está indo embora nessa nova década, está ficando cada vez melhor.

Faixas: “After”, “Starry Eyes Gone Blank Tonight”, “This Burden Down”, “Plaster”, “Black Transmissions”, “Glass”.

Blood Red Shoes - Fire Like This

2010-02-25T17:12:00.007-03:00

Uma dupla formada por Laura-Mary Carter, guitarra, e Steven Ansell, bateria, o Blood Red Shoes veio da Inglaterra e lançaram alguns singles e EPs desde entre 2005 e 2008, quando saiu seu debut - Box of Secrets. E Box of Secrets foi um álbum incrível, o melhor debut que eles poderiam ter lançado, todas as músicas tem uma pegada punk, rápidas e simples, e em alguns momentos do álbum dava pra dizer que é ‘quase grunge’. Blood Red Shoes se distancia da atual ‘cena rock’ inglesa, eles se consideram uma banda punk e citam Nirvana, Babes in Toyland, Queens of the Stone Age, Pixies, Sonic Youth, Blur e PJ Harvey como influências. E agora, quase dois anos depois, lançam seu segundo disco, Fire Like This - que não decepciona nem um pouco.

Como em seu debut, Laura-Mary e Steven dividem os vocais o tempo todo, praticamente metade do álbum ‘para cada’. Se Box of Secrets tinha as velocidades ‘rápido’ (“It's Getting Boring By The Sea”) e ‘mais rápido ainda’ (“You Bring Me Down”), Fire Like This adiciona o ‘quase calmo’ (“When We Wake”), que o torna um álbum muito mais completo. Os refrões continuam grudentos, e todas as músicas aqui têm um grande potencial ‘radio-friendly’ que, sinceramente, não machuca em nada. A sempre-presente química entre Carter e Ansell está muito mais forte, e isso torna a toda a dinâmica básica do ‘calmo/barulhento’ muito mais sutil do que no debut. Mas a real mudança mais nítida é a última faixa, “Colours Fade”, que, com sete minutos, é simplesmente gigantesca, o épico que normalmente não seria associado com Blood Red Shoes. É realmente difícil não citar cada uma das dez músicas como sendo um ponto alto. Fire Like This é um álbum forte do começo ao fim, extremamente recomendado.

Faixas que merecem destaque: “It Is Happening Again”, “Heartsink”, “Colours Fade”, “Don't Ask”, “Light It Up”, “When We Wake”, “Keeping It Close”.

Holly Miranda - The Magician's Private Library

2010-02-24T16:49:00.003-03:00

Holly Miranda nasceu em Detroit, Michigan, faz parte da banda The Jealous Girlfriends e lançou seu primeiro álbum solo em 2010, The Magician's Private Library. O debut foi produzido por Dave Sitek do TV on the Radio, que já produziu artistas que vão desde Yeah Yeah Yeahs até Scarlett Johansson, sem contar os álbuns do próprio TV on the Radio. The Magician's Private Library é provavelmente a supresa mais agradável desse ano - seu som pode ser descrito como o que sairia de uma colaboração entre Chan Marshall e Annie Clark, também conhecidas como Cat Power e St. Vincent, respectivamente.

O álbum, com dez faixas e um pouco mais de quarenta minutos, tem um clima bastante ‘atmosférico’ e etéreo, que às vezes pode remeter a Björk. Ademais, uns toques de jazz também estão presentes em alguns momentos estratégicos, o que engrandece ainda mais o conjunto da obra. Holly é uma musicista talentosíssima (além de cantar, ela toca piano, guitarra e trombeta), e The Magician's Private Library é um disco extremamente bem feito. O álbum mal saiu, mas depois de ouví-lo não dá pra não ficar querendo um segundo disco logo. Simplesmente brilhante, é pra ouvir milhares e milhares de vezes.

Faixas que merecem destaque: “Forest Green, Oh Forest Green”, “Sleep On Fire”, “Sweet Dreams”, “Everytime I Go To Sleep”, “No One Just Is”, “Slow Burn Treason”.

Plastiscines - About Love

2010-02-23T17:02:00.003-03:00

Plastiscines veio da França, mesma terra do Phoenix, e é formado por quatro meninas. Em 2007, elas lançaram seu primeiro álbum, LP1, que é um punk rock bem básico e cru com a maioria das letras cantada em francês. Mas foi em About Love, de 2009, que todo o potencial das meninas foi aproveitado ao seu máximo. As músicas são menos adolescentes, mais trabalhadas e melhor produzidas também - e continua com a mesma energia que abundou em seu debut.

As influências da banda vão desde o punk rock do Ramones e Stooges até White Stripes e Libertines. Blondie também é bastante óbvio.
Em About Love, a maior parte das músicas é em inglês - embora elas pareçam muito mais confiantes nas que são cantadas em sua língua nativa -, mas mesmo assim é impossível não as comparar com bandas como The Donnas. E, no final, nem são tão parecidas assim - Plastiscines, nesse novo álbum, tem um ótimo toque mais ‘dançante’, como no lead single “Barcelona”. “I Am Down”, com pouco mais de quatro minutos é a música mais longa e calma do álbum, também é impressionante e prova que Plastiscines tem competência de sobra para fazer baladas.

Você pode não falar francês e não entender uma palavra nas letras, mas com certeza se pegará cantando “Pas Avec Toi” e “Camera” quando menos esperar.

Faixas que merecem destaque: “Camera”, “Pas Avec Toi”, “I Could Rob You”, “Barcelona”, “Runnaway”, “You're No Good”, “Another Kiss”.

of Montreal - Satanic Panic in the Attic

2010-02-22T17:08:00.003-03:00

Apesar do nome, of Montreal veio dos Estados Unidos. Formado em 1996 por Kevin Barnes, of Montreal já lançou nove álbuns de estúdio até 2009, e dezenas de EPs nesse tempo também. Em 2004, lançaram um álbum chamado Satanic Panic in the Attic e é provavelmente o que ilustra of Montreal em sua melhor fase.

Como dá pra ter uma ideia pelo nome do disco, as letras do of Montreal brincam com aliterações e trocadilhos criando rimas inteligentíssimas. Satanic Panic in the Attic não é um disco tão ambicioso quanto outros trabalhos passados do of Montreal, e talvez seja por isso que é tão bom e agradável de se ouvir. Guitarras clássicas de rock convivem em harmonia com pianos, teclados e outros instrumentos não muito ortodoxos, como xilofones, criando um indie pop bastante psicodélico. E é, antes de tudo, um álbum pop - depois de ouví-lo, é normal ficar com certos trechos, como o impossívelmente grudento refrão de “Rapture Rapes The Muses”, preso na cabeça por horas.

O of Montreal, que faz parte do Elephant 6 Collective, tem uma discografia memorável. Mas que deve ser ouvida com a mente aberta, principalmente os dois álbuns lançados depois de Satanic Panic in the Attic - The Sunlandic Twins (2005) e Hissing Fauna, Are You the Destroyer? (2007).

Faixas que merecem destaque: “Lysergic Bliss”, “Rapture Rapes The Muses”, “Eros' Entropic Tundra”, “Chrissy Kiss The Corpse”, “Vegan In Furs”, “City Bird”.

Two Door Cinema Club - Tourist History

2010-02-21T16:24:00.004-03:00

Vindos da Irlanda do Norte, o Two Door Cinema Club tem um árduo caminho pela frente. Há grandes chances do trio cair no esquecimento e serem mencionados como ‘apenas mais uma banda indie britânica’ - e isso é bastante injusto. Tourist History, o melhor debut até agora e possivelmente um dos melhores de 2010, mescla toques eletrônicos com o já clássico indie rock sem seguir a ‘tendência’ e dar prioridade aos sintetizadores. A música de abertura, “Cigarettes in the Theatre”, parece mais um outtake do Bloc Party, mais especificamente do Silent Alarm, e no decorrer do álbum também é possível encontrar influências de Phoenix, Editors, Franz Ferdinand, The Futureheads e até mesmo Death Cab for Cutie.

O Two Door Cinema Club já havia lançado alguns ótimos singles em 2009, mas nem sempre isso garante qualidade para o debut todo (como aconteceu com o White Lies ano passado). Felizmente, Tourist History não decepciona. O álbum tem um pouco mais de trinta minutos divididos em dez consistentes faixas que fluem com uma naturalidade impressionante - não há um único momento ‘difícil’. É um álbum curto, nenhuma música chega aos quatro minutos, mas há sempre uma confiança e entusiasmo que fazem com que nada nele chegue a ficar repetitivo.

A maior ‘beleza’ de Two Door Cinema Club é que eles não fingem que as músicas apresentadas em Tourist History têm um som completamente novo, porque não têm. E, hoje em dia, só isso já é o suficiente para dar uma chance a eles.

Faixas que merecem destaque: “Undercover Martyn”, “Cigarettes in the Theatre”, “I Can Talk”, “Eat That Up, It's Good For You”, “Something Good Can Work”, “Come Back Home”.

Metric - Old World Underground, Where Are You Now?

2010-02-20T22:59:00.002-03:00

O Metric veio do Canadá e Old World Underdround, Where Are You Now? é o nome de seu primeiro álbum de estúdio, lançado em 2003. Uma mistura perfeita de indie com new wave, Old World Underground... é bem agradável de se ouvir. Os instrumentos estão em harmonia, não há exageros e nem ‘falta’ nada. Há momentos bastante únicos, como “Calculation (Theme)”, que é basicamente a vocalista Emily Haines cantando ao som de nada além de um teclado bem simples - e a voz de Haines é, possivelmente, o melhor instrumento da banda.

Talvez o pior defeito do álbum seja de ser simples ‘demais’ às vezes. Mas Old World Underground... é um ótimo debut de uma banda memorável. As letras são bem pensadas, a guitarra e o teclado se completam de uma ótima forma, enquanto o baixo e a bateria fazem um bom rítimo, com ocasionais influências de dance punk. Vale a pena dizer também que dois de seus membros, a vocalista/tecladista Emily Haines e o guitarrista James Shaw, também fazem parte do supergrupo experimental Broken Social Scene - o mesmo que também conta com a Feist entre seus membros.

Depois de Old World Underground, Where Are You Now? o Metric lançou outros três álbuns, sendo o mais novo deles, Fantasies, do ano passado - e todos merecem ser ouvidos.

Faixas que merecem destaque: “IOU”, “The List”, “Wet Blanket”, “Succexy”, “Dead Disco”, “Combat Baby”.

Cat Power - You Are Free

2010-02-19T22:38:00.003-03:00

Nada melhor do que um álbum bastante calmo e limpo, em oposição ao shoegaze do post de ontem. E nesse sentido, não há um álbum melhor do que You Are Free da Cat Power - também conhecida como Chan Marshall, seu nome verdadeiro.

Chan lançou seu primeiro álbum, Dear Sir, em 1995 e Jukebox, seu oitavo e mais novo trabalho, foi lançado em 2008 e seu próximo está planejado para esse ano. You Are Free, o sexto, saiu em 2003 e é possivelmente o seu melhor. As composições são bastante simples e minimalistas, as letras são bastante reflexivas e a voz de Chan é, como sempre, suave e intoxicante.

You Are Free oscila o tempo todo entre acústico e levemente elétrico, calmo e animado, e é até ocasionalmente depressivo. É um álbum absolutamente lindo. Não há muito mais o que dizer sobre ele, é um álbum que fala por si mesmo e te convence em cada uma de suas 14 faixas. Também vale a pena dizer que Dave Grohl é responsável pelas baterias de You Are Free, Eddie Vedder faz vocais de apoio em duas músicas e o violinista Warren Ellis toca em duas músicas. Fora isso, You Are Free é composto basicamente pela Chan sozinha cantando e tocando violão ou piano. Vou ser repetitivo: é um álbum absolutamente lindo. Com certeza você não se arrependerá se der uma chance a ele.

Faixas que merecem destaque: “I Don't Blame You”, “Free”, “Good Woman”, “Werewolf”, “He War”, “Half Of You”, “Evolution”, “Maybe Not”.

Asobi Seksu - Citrus

2010-02-18T19:30:00.006-03:00

Asobi Seksu veio do lugar mais legal atualmente para a música, Brooklyn, NYC, e faz um som bastante único; misturam toda distorção e reverb típicos do shoegaze com a leveza e ingenuidade do j-pop. Citrus (2006), seu segundo álbum, leva exatamente isso (que já tinha sido feito com o debut Asobi Seksu de dois anos antes) ao extremo. A vocalista/tecladista Yuki Chukidate canta o tempo todo alternando entre vocais bastante suaves, às vezes quase inaudíveis, e gigantescos sussurros, embaixo das camadas e mais camadas de guitarras distorcidas de James Hanna (os dois membros regulares da banda).

É possível ver bem nitidamente que entre as suas influências primordiais estão bandas da era mais clássica do shoegaze: Ride, Moose, Slowdive e, é claro, My Bloody Valentine. Yuki divide bem o tempo entre cantar em inglês e japonês, tornando Asobi Seksu ainda mais ‘exótico’. No conjunto todo da obra, Citrus cria, possivelmente, as ‘walls of sound’ mais sufocantes desde o Loveless do My Bloody Valentine (1991) - e é um dos melhores álbuns shoegaze que você vai ouvir na vida.

Asobi Seksu é um dos melhores exemplos do so-called ‘newgaze’, artistas dos anos 2000 que trouxeram de volta o shoegaze, que atingiu seu auge no fim dos anos 80/começo dos anos 90 e desde então foi gradativamente perdendo o lugar para o grunge e o britpop.

Sobre o nome da banda, ‘Asobi’ (pronúncia: ‘assobi’) significa ‘divertido’ em japonês e acho que ‘Seksu’ já é bastante auto-explicativo.

Faixas que mercem destaque: “Thursday”, “Red Sea”, “Lions and Tigers”, “Nefi + Girly”, “Strawberries”, “Goodbye”.

Placebo - Battle for the Sun

2010-02-17T21:56:00.005-03:00

Placebo foi formado em Londres e vem fazendo álbuns desde 1996. Battle for the Sun, o mais novo e sexto da carreira, foi lançado em 2009. Como o próprio título pode sugerir, Battle for the Sun é um álbum bastante otimista e positivo, sendo assim essencialmente o oposto de seu anterior, Meds (2006) que tinha músicas pessimistas e pesadas emocionalmente, com a maior parte do som centrada em teclados. Battle for the Sun é um álbum bastante maduro e adulto - tem as guitarras mais agressivas desde o debut, Placebo (1996), mas Brian Molko não tem mais 25 anos e isso fica evidente nas músicas - Molko não é nem mais tão andrógino quanto era alguns anos atrás.

Como qualquer mudança drástica no som de uma banda, nem todos apreciaram o Placebo de Battle for the Sun - o que é uma pena. Apesar de não ser de forma alguma o melhor álbum da carreira deles, verdadeiras pérolas, como “Julien”, “Kitty Litter” e “Kings of Medicine”, podem ser encontradas aqui. Esta última fecha o álbum com chave de ouro, a melhor das treze faixas com certeza.

Antes de seu lançamento, Brian Molko descreveu o álbum como sendo ‘pop pesado’, e é provavelmente a melhor forma de descrevê-lo. Battle for the Sun é bastante forte, sólido e coeso, com riffs agressivos, linhas de baixo sutis e uma bateria que junta tudo da melhor forma possível. Também há boas doses de orquestrações, pianos e sintetizadores em momentos estratégicos, que contribuem para a grandeza do álbum.

O maior ponto negativo é, provavelmente, seu lead single “For What It's Worth”, que é uma ótima música mas não boa o bastante pra esse papel, que teria sido ocupado de uma forma muito melhor por “Ashtray Heart” ou até mesmo “The Never-Ending Why”, o segundo single.

O Placebo também passou por uma mudança na sua formação, o baterista Steve Hewitt saiu da banda no final de 2007, Battle for the Sun é o primeiro álbum com Steve Forrest nas baquetas. E Forrest faz um ótimo trabalho - a bateria na faixa-título é a mais bem pensada e trabalhada da carreira da banda.

Faixas que merecem destaque: “Kings of Medicine”, “Julien”, “Kitty Litter”, “Ashtray Heart”, “Breathe Underwater”, “Come Undone”, “The Never-Ending Why”, “Battle for the Sun”.

The Cure - Disintegration

2010-02-16T22:10:00.003-03:00

Dizer que The Cure veio da Inglaterra e é uma das maiores bandas de todos os tempos me parece desnecessário, então vamos logo ao que interessa:

Disintegration. É quase um consenso geral que Disintegration (1989) é o melhor e mais completo álbum já feito pelo Cure, e é só ouví-lo que fica bem fácil de entender o porquê disso. Assim como no lançamento anterior, o também incrível Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me (1987), as composições de Robert Smith estão em sua melhor fase, são assustadoramente bonitas - também vale apena dizer que Smtih é um guitarrista dolorosamente subvalorizado. O uso de ‘espaço’/pausa nas suas canções tem um papel tão fundamental quanto o das notas em si. Os teclados/pianos também merecem um destaque aqui. Mas provavelmente o instrumento que mereça mais destaque de todos é o baixo. Simon Gallup, em Disintegration mais do que qualquer outro trabalho do Cure, prova que não é só de Robert Smith que The Cure é feito.

Poucos álbuns têm uma faixa de abertura tão poderosa quanto “Plainsong”, que é com certeza o primeiro dos inúmeros pontos altos. “The Same Deep Water as You”, que tem sempre um apropriado barulho de chuva ao fundo, tem escrito ‘perfeição’ em cada segundo de seus quase dez minutos - é uma das melhores músicas já feitas, por qualquer artista. “Lullaby” tem uma das melodias mais intimidadoras, o desespero nos vocais e instrumentos de “Fascination Street” é desconcertante, “Prayers for Rain” tem teclados bastante dramáticos. E, em contrapartida, Disintegration também é o lar da música mais doce já feita pelo Cure em toda sua carreira: “Lovesong”.

São doze faixas que resultam em setenta minutos do mais puro nirvana. Disintegration é um divisor de águas na vida de qualquer pessoa - você nunca mais ouvirá qualquer música da mesma forma. Simplesmente ouça-o, ainda mais se você achava que Cure não era nada além de “Boys Don't Cry”.

Em 2002, The Cure fez dois shows em Berlim, Alemanha, tocando uma ‘trilogia’: os álbuns Pornography (1982), Disintegration (1989) e Bloodflowers (2000) completos - Smith disse que esses três álbuns estão profundamente vinculados em diversas formas. Trilogy saiu em DVD em 2003, e é um dos melhores shows-que-saíram-em-DVD lançados até hoje, assista se tiver a oportunidade.

Faixas que merecem destaque: “The Same Deep Water as You”, “Plainsong”, “Last Dance”, “Untitled”, “Disintegration”, “Prayers for Rain”, “Lullaby”, “Lovesong”, “Pictures of You”, “Homesick”, “Closedown”, “Fascination Street”.

Sim, todas as doze. É um completo clássico, fazer o quê?

PJ Harvey - Rid of Me

2010-02-15T20:59:00.004-03:00

Polly Jean ‘PJ’ Harvey é uma cultuada cantora nascida na Inglaterra que vem lançando álbums desde 1992. Ela começou sua carreira como parte de um trio (que também tinha o nome ‘PJ Harvey’), e eles lançaram dois álbuns antes de se separarem e PJ continuar com uma (poderosa) carreira solo. O último álbum lançado como trio, Rid of Me, de 1993, é um disco bastante ‘difícil’. As letras são quase ou completamente depressivas, as músicas são “cinza” e bastante inacessíveis. Tudo isso feito com uma enorme confiança e honestidade - é um dos melhores álbuns dos anos 90, e compete com Stories from the City, Stories from the Sea (2000) pelo título de ‘melhor álbum da PJ Harvey’.

O contraste Pixies-esque entre os momentos silenciosos e barulhentos é gritante, e o melhor exemplo disso é a faixa-título/que abre o disco, “Rid of Me”, que é até hoje uma das melhores músicas já feitas por PJ. Rid of Me foi produzido pelo lendário Steve Albini, que produziu os excelentes Surfer Rosa (Pixies) e In Utero (Nirvana) entre vários outros. Rid of Me é um álbum extremo em todos os sentidos da palavra. A faixa “Man-Size”, um dos dois singles de Rid of Me, aparece duas vezes na tracklist do álbum com exatamente a mesma letra, primeiro como “Man-Size Sextet”, que tem PJ cantando em cima de um quarteto de cordas que é tão agressivo quanto as guitarras da ‘versão rock’ “Man-Size”, três faixas depois. Épico, não?

PJ Harvey está sempre se reinventando (seu mais novo álbum, White Chalk, de 2007, usa piano como base e Polly canta com uma voz muito mais aguda que seu normal), e acabou se tornando uma das artistas mais influentes da música.

Curiosidade: O Placebo, cujo vocalista Brian Molko é um fã assumido de PJ, emprestou o verso “Don't you wish you never met her?” de “Rid of Me” para a música “Brick Shithouse” do álbum Without You I'm Nothing (1998).

Faixas que merecem destaque: “Rid of Me”, “50ft Queenie”, “Man-Size”, “Rub 'Til It Bleeds”, “Missed”, “Me-Jane”, “Dry”.

Dinosaur Jr. - Farm

2010-02-14T22:24:00.004-03:00

Formada em 1984 em Amherst, Massachusetts, Dinosaur Jr. foi uma das bandas mais influentes dos anos 90 e um dos maiores ‘power trios’ também. Lançaram sete álbuns de estúdio entre 84 e 97, passaram por algumas mudanças na formação e ficaram dez anos sem lançar nada. Em 2005 a banda se reuiniu com os membros originais (J Mascis na guitarra/voz, Lou Barlow no baixo e Murph na bateria) e em 2007 lançou um álbum chamado Beyond e, em 2009, um chamado Farm.

Farm não é tão diferente de tudo que a banda já tinha feito, principalmente em Beyond, e é exatamente por isso que é um álbum tão bom. Farm é tão gigante quanto Dinosaur Jr. sempre foi. O álbum começa com a incrível “Pieces”, e já tem tudo ali: guitarras marcantes, baixo tão presente quanto, e, é claro, a voz inconfundível de J Mascis, seja cantando ou seja com os riffs/solos de guitarra. E o resto dele é tão energético quanto, apesar de algumas músicas mais calmas. Mascis assina também a produção do álbum e todas as músicas com exceção de “Your Weather” e “Imagination Blind”, que foram escritas por Barlow.

Farm é simplesmente monstruoso. É um álbum, assim como toda a discografia do Dinosaur Jr., pra ser ouvido milhares de vezes e no último volume.

Faixas que merecem destaque: “Pieces”, “Friends”, “Your Weather”, “Said The People”, “Over It”, “Ocean In The Way”.

The Jazz June - The Scars To Prove It.

2010-02-13T19:49:00.000-03:00

Vindos de um lugar de ninguem chamado Kutztown, na Pensilvania, os cinco integrantes da banda fazem deste álbum uma mistura de emo, prog e um post-hardcore. A recusa em se encaixa em um único estilo torna o trabalho dos rapazes em 'The Scars To Prove It' algo fascinante.

Sobre a banda não consegui encontrar informações precisas, mas confesso que também não pude procurar muito a fundo, então vamos nos focar no CD. Após uma pausa nas nova composições, os cinco retornaram com essa coletânea como um tributo a um amigo que foi diagnosticado com um tumor cerebral. As músicas, na realidade, não são inéditas. Versões não lançadas, ao vivo e inclusive as originais o compõe, totalizando 16 faixas no CD e mais as extras no DVD. 'Lower East Side', 'Nicaragua' (essa, por sinal, uma explendida e maluca mistura de indie, rock e funk), 'Sputnik - 1957', 'Viva La Speed Metal' (ponto extra positivo para essa, viradas geniais durante a música e um conjunto ótimo por todos os quase três minutos e meio), 'When The Drums Kick In', 'When In Rome' (sendo que as duas "Whens" ali também merecem uma ligeira maior atenção), ''Rich Kid Shakedown', 'We've Got The Situation' e 'Antiquated' são as que, pessoalmente, destaco. São muitas, mas levando em consideração que o total é 16, acho que está de bom tamanho.

Jazz June é uma banda que achei não sei aonde e sem saber como, mas que vale a pena todo o trabalho.
Um abraço a todos e até o próximo dia em que eu conseguir me desvenciliar das dores de cabeça atuais.

The Chalets - Check In

2010-02-12T21:40:00.003-03:00

The Chalets, vindos de Dublin, Irlanda, foi uma dessas bandas que acabou cedo demais. Cedo demais mesmo, eles lançaram um único álbum, chamado Check In, em 2005. O quinteto irlandês fazia um som sem muitas novidades, um indie rock com alguns teclados que, em alguns momentos, era quase um pop punk de primeira. Um som que já foi descrito como uma mistura perfeita de Le Tigre e The B-52's.

Check In, antes de mais nada, é um álbum divertido e descomprometido - as letras são inteligentes e despretenciosas, às vezes quase como se a banda estivesse dialogando entre si. Os vocais são divididos, em sua maioria, entre quatro de seus membros: o guitarrista, o baixista e as duas tecladistas - mas as duas meninas têm uma certa ‘prioridade’.

The Chalets foi definitivamente uma das bandas mais subvalorizadas dessa década, com refrões impossívelmente grudendos (que vão desde ‘Everybody wants to feel the machine’ até ‘I know you love me/But you're fucking crazy’) e instrumentais bastante simples mas bem pensados.

É realmente uma pena que eles acabaram em 2008. Check In é o tipo de álbum que deixa você querendo mais. Mas tudo que podemos fazer é escutá-lo e rezar para que a banda volte.

Vale a pena dizer que os poucos clipes do Chalets também merecem ser vistos. “Feel the Machine” tem um dos meus clipes preferidos de todos, é simplesmente genial.

Faixas que merecem destaque: “Theme From Chalets”, “Feel the Machine”, “Nightrocker”, “Sexy Mistake”, “Love Punch”, “Two Chord Song”, “Checkout”.

The Whitest Boy Alive - Dreams

2010-02-11T21:48:00.003-03:00

The Whitest Boy Alive é um projeto paralelo de Erlend Øye, da banda Kings of Convenience, e começou em 2003 como sendo algo eletrônico - mas acabou evoluindo e se tornou algo sem nenhum instrumento programado. A maior diferença entre Whitest Boy Alive e Kings of Convenience é que, enquanto KoC é uma dupla que usa violões acústicos, WBA é mais uma banda mais ‘completa’ e faz sua música usando guitarras e outros instrumentos elétricos - mas não esperece um indie rock à la Pavement ou até mesmo Arctic Monkeys. The Whitest Boy Alive tem sua música baseada em riffs de guitarra com minimalistas notas soltas no lugar de acordes - dá até pra traçar um paralelo com The xx nesse sentido, apesar de não serem nada parecidas.

Dreams, seu primeiro álbum, lançado em 2006, não feito usando instrumentos eletrônicos mas isso não torna as músicas menos dançantes. Com um baixo que conversa com a bateria da forma mais amigável possível, é impossível ficar parado ao som de pérolas como “Golden Cage”. A guitarra cuidadosamente trabalhada, assim como a voz inconfundível de Øye, também contribuem para fazer de Dreams um álbum notável. As linhas de baixo parecem ter saído de músicas do The Cure, de tão bem pensadas e executadas. Dreams é um álbum lindo, do começo ao fim, e merece ser escutado. Com certeza você não se arrependerá de tê-lo feito.

Em 2009, a banda lançou seu segundo álbum, entitulado Rules, que também vale a pena procurar.

Faixas que merecem destaque: “Golden Cage”, “Burning”, “Inflation”, “Fireworks”, “Above You”.

Sonic Youth - The Eternal

2010-02-10T21:32:00.007-03:00

Sonic Youth. Essas duas palavras sozinhas já deviam dizer tudo. Entretanto, The Eternal, seu mais novo lançamento (2009), merece algumas palavras a mais. Provavelmente o que torna Sonic Youth especial hoje em dia é o fato de que mesmo depois de quase trinta anos de carreira eles continuam fazendo álbuns que ainda soam como algo ‘novo’ e fresco. Em The Eternal, mais especificamente, a palavra ‘Youth’ em seu nome nunca esteve tão apropriada. Em alguns anos, The Eternal será considerado tão clássico quanto Daydream Nation (1988) é hoje.

The Eternal é, de uma certa forma, bastante diferente do último lançamento deles no sentido que é um álbum muito mais ‘rock'n'roll’ enquanto Rather Ripped (2006) é, em sua maioria, um pouco mais calmo. Há elementos em Eternal que nos remetem às várias ‘fases’ que o Sonic Youth já teve durante todos os anos, e é a primeira vez que eles juntaram tudo dessa forma. “Anti-Orgasm” é um dos melhores ‘duetos’ entre Kim Gordon e Thurston Moore da carreira da banda. Outro ponto positivo é que eles ‘não perderam’ seu dom de fazer músicas com perto de dez ou mais minutos que são tão boas desde o começo até o final, sem ficarem cansativas ou cheias de coisas desnecessárias.

Todas as mudanças que seu som sofreu na passagem de Rather Ripped para The Eternal apenas ilustram o quanto Sonic Youth sempre foi incrível. Com The Eternal, eles afirmam mais do que qualquer outra coisa que não pretendem parar tão cedo. E quem ganha com isso somos nós.

Faixas que merecem destaque: “Anti-Orgasm”, “Thunderclap for Bobby Pyn”, “Massage The History”, “Poison Arrow”, “Sacred Trickster”, “Malibu Gas Station”.

The Joy Formidable - First You Have To Get Mad

2010-02-09T22:41:00.009-03:00

The Joy Formidable, banda formada em Wales em 2006 como Sidecar Kisses, e passou por várias mudanças no nome e formação até acabarem com os três membros atuais e o nome The Joy Formidable em 2007. No comecinho de 2009, em Fevereiro, lançaram seu primeiro álbum de estúdio chamado A Balloon Called Moaning e foi, com certeza, um dos melhores debuts dos últimos tempos (assim como o do Pains of Being Pure at Heart). Em A Balloon Called Moaning eles misturam toda a ‘força’ e barulho do shoegaze com a delicadeza do dream pop à la Cranberries. Definitivamente, a pior coisa sobre A Balloon Called Moaning é o fato de que ele é um álbum muito curto - apenas oito faixas e um pouco menos de meia hora.

Alguns meses depois, em Novembro, lançaram seu primeiro álbum ao vivo chamado First You Have To Get Mad (provavelmente uma referência ao filme Rede de Intrigas, de 1976). First You Have To Get Mad, com dez faixas, nos apresenta também a três músicas novas: “Anemone”, “A Heavy Abacus” e “The Magnifying Glass”. A única música do A Balloon Called Moaning que não está presente é “9669”. E ao vivo, suas músicas ganham uma profundidade completamente nova e a influência de bandas como My Bloody Valentine e Sonic Youth é ainda mais nítida. Várias músicas são ‘alongadas’ nesse álbum e mais notávelmente “Whirring” e “While The Flies”, que acabam aqui com o dobro de seu tempo original. Os minutos extras são recheados de barulho e caos em seu melhor, de forma que poderiam deixar Kevin Shields orgulhoso.

Se as músicas novas de First You Have To Get Mad são alguma indicação de como seu segundo álbum será, com certeza vai ser ainda melhor que o primeiro. Mal posso esperar para ouvir uma versão em estúdio de “A Heavey Abacus”.

Faixas que merecem destaque: “A Heavy Abacus”, “The Magnifying Glass”, “Whirring”, “Austere”, “While The Flies”.

Biffy Clyro - Only Revolutions

2010-02-08T22:03:00.006-03:00

Como disse no post sobre o Marmaduke Duke, Biffly Clyro é uma banda da Escócia. Kilmarnock, pra ser mais específico. Only Revolutions, de 2009, é o quinto álbum da carreira do trio e o primeiro lançado desde seu ‘breakthrough’, Puzzle, de 2007. É fácil entender por que Puzzle foi o álbum que lançou o Biffy, as músicas dele são um rock alternativo bem mais ‘acessível’ e as melodias são mais simples - foi um álbum ótimo, dava até pra compará-los com Foo Fighters. Naturalmente, depois de um álbum desses as expectativas para o próximo lançamento aumentam. E, infelizmente, Only Revolutions não as atingiu.

Apesar da capa magnífica, Only Revolutions tem um som muito mais ‘frio’ e distante do que qualquer outra coisa que eles lançaram antes. Claro que há exceções e músicas que são muito boas, como a incrível “Mountains” que já tinha sido lançada como single em 2008 - o que, provavelmente, contribuiu ainda mais para as expectativas de que o próximo lançamento fosse também incrível. O produtor do álbum é o mesmo que fez o Puzzle, Garth Richardson - que também já trabalhou com bandas como L7, Red Hot Chili Peppers, Kittie e Rage Against The Machine. Até Josh Homme, do Queens of the Stone Age, tem uma participação tocando guitarra na faixa “Bubbles”. Only Revolutions tinha tudo pra ser um álbum ótimo, mas na maioria das faixas há a sensação de que tem algo faltando.

O Biffy Clyro já tinha abandonado seu som quase-pesado-quase-experimental dos três primeiros álbuns no Puzzle, então não dá pra dizer que é isso que está faltando aqui.

Only Revolutions está longe de ser um álbum ruim. É simplesmente um álbum que atinge seu melhor na segunda música e desde então não te surpreende mais. E um disco com doze faixas, ou seja, é bastante tempo para ficar ‘indiferente’.

Faixas que merecem destaque: “The Captain”, “That Golden Rule”, “Mountains”.

St. Vincent - Actor

2010-02-07T22:14:00.004-03:00

St. Vincent é o nome artístico da multi-instrumentista Annie Clark - que já foi membro do The Polyphonic Spree e da banda do Sufjan Stevens. Além disso, Annie também fez uma participação na música “What's the Use of Wond'rin'?”, no álbum Who Killed Amanda Palmer, debut solo da Amanda Palmer do Dresden Dolls.
Ela lançou seu próprio debut solo (com o nome ‘St. Vincent’) em 2007, o ‘bom’ Marry Me - e, em 2009, lançou sua obra prima: Actor.

Actor é superior ao debut porque reune em todas as onze faixas os ‘melhores momentos’ do Marry Me, sendo, assim, um álbum com orquestrações delicadas e guitarras com distorções sujas, várias vezes ao mesmo tempo, sem que nenhum dos extremos pareça ‘errado’ ou fora do lugar. E ainda sobra espaço para uns riffs incríveis feitos no violão e algumas baterias com uma pegada de punk.

Com Actor, Annie Clark prova que é uma musicista completa. O álbum foi todo escrito por ela mesma, música e letras, com uma maestria e precisão que não são fáceis de encontrar. E principalmente quando há tanta mistura de gêneros e influências como aqui, dar um passo errado é bastante fácil. Mas, para nossa sorte, Annie não dá esse passo e Actor é extremamente agradável de se ouvir do começo ao fim.

Curiosidades (inúteis): Annie escreveu o álbum todo usando o aplicativo GarageBand, da Apple, e disse também que a inspiração para as músicas veio de seus filmes favoritos, como os do Woody Allen e as animações da Disney.

Faixas que merecem destaque: “Actor Out of Work”, “The Strangers”, “Marrow”, “Laughing With a Mouth of Blood”, “The Neighbors”, “Black Rainbow”.

The Pains of Being Pure at Heart - The Pains of Being Pure at Heart

2010-02-06T22:36:00.004-03:00

Mais uma pérola vinda do Brooklyn, NYC, The Pains of Being Pure at Heart lançou, em 2007, um EP com seis faixas chamado simplesmente The Pains of Being Pure at Heart, mas ninguém (e eu me incluo nisso) parecia ter ouvido falar neles antes de Fevereiro de 2009, mês em que lançaram seu primeiro álbum completo, The Pains of Being Pure at Heart (sim, o mesmo nome) - álbum que é, sem dúvida alguma, um dos melhores lançamentos dos últimos tempos.

Normalmente encontra-se a tag ‘shoegaze’ perto deles, mas eu acho que é um pouco exagero. Há, sim, influências claras, como My Bloody Valentine e Ride, e há também um certo grau do ‘barulho’ característico em seu som - mas no geral o Pains faz algo que é muito mais inclinado para o ‘indie pop’ do que para o shoegaze. ‘Twee noise’ talvez fosse uma definição mais apropriada.

Ao longo das (curtas) dez faixas, é possível encontrar, além de MBV e Ride, influências de Joy Division, The Smiths, The Cure e The Jesus and Mary Chain. The Pains of Being Pure at Heart é um álbum que não cansa - a cada vez que se ouve, as faixas estão diferentes. Eles fazem escrever músicas boas parecer incrívelmente fácil. É um ‘modern-day classic’.

E, para completar, em Setembro de 2009 lançaram um novo EP, chamado Higher Than the Stars, com quatro músicas tão incríveis quanto às do álbum e um (completamente dispensável) remix da faixa título.

Faixas que merecem destaque: “Young Adult Friction”, “A Teenager in Love”, “Hey Paul”, “Come Saturday”, “This Love Is Fucking Right!”, “Gentle Sons”, “Everything With You”, “Stay Alive”, “The Tenure Itch”, “Contender”.

(Sim, todas as dez. E “Ramona”, b-side do single Young Adult Friction, também é uma que vale a pena procurar.)

Marmaduke Duke - Duke Pandemonium

2010-02-05T20:51:00.005-03:00

O Marmaduke Duke é uma dupla formada em Ayrshire, Escócia, por Simon Neil e JP Reid (membros das também esocesas bandas Biffy Clyro e Sucioperro respectivamente). Em 2005 eles lançaram o primeiro álbum, chamado The Magnificent Duke, composto por 18 faixas que se alternam igualmente entre uma seção ‘pesada’, uma acústica e outra instrumental. Mas em 2009, com seu segundo álbum entitulado Duke Pandemonium, o Marmaduke Duke abandonou essas ‘seções’ e nos presenteou com um disco com singelas 10 faixas extremamente bem executadas.

Duke Pandemonium é um álbum lindo, que mistura rock alternativo com synthpop ‘anos 80’, funk e experimentações sem exageros de uma forma notável. Da menos-de-2-minutos/curta-demais “Rubber Lover” (facilmente uma das melhores músicas do ano passado) até a quase-épica-com-8-minutos “Demon”, é difícil encontrar algo realmente ruim pra se dizer desse álbum. Os dois dividem os vocais, e os leves-mas-presentes sotaques escoceses contribuem para dar um certo ‘humor’ a mais em várias das músicas. Se for pra compará-los com outras bandas, os nomes Pulp, Gorillaz e Modest Mouse poderiam ser ditos em momentos diferentes do disco.

Também é interessante dizer que desde 2003, quando o Marmaduke Duke começou, sempre foi um projeto com ‘data pra acabar’. De acordo com Simon Neil, a banda e seus álbuns são baseados em uma trilogia de manuscritos não lançados, e eles só escrevem a trilha sonora para essas histórias. Eles já começaram a trabalhar em seu terceiro e último trabalho, que possivelmente, terá o apropriado título The Death of the Duke. Ainda não há nenhuma previsão para lançamento, infelizmente.

Além de tudo isso, a banda também é responsável por covers interessantíssimos de músicas como “Friday I'm in Love” do The Cure e “Single Ladies (Put A Ring On It)”, Beyoncé.

Faixas que merecem destaque: “Rubber Lover”, “Kid Gloves”, “Heartburn”, “Erotic Robotic”, “Skin The Mofo”.

Knapsack - This Conversation Is Ending Starting Right Now.

2010-02-04T09:26:00.000-03:00

Knapsack é uma banda rock alternativo/emo, real emo, como eu já expliquei um um outro post mais antigo (Sunny Day Real Estate, para ser mais exato). Formada em 1993, os caras fazem um som cativante, boas guitarras cortantes, um vocal meio rasgado como é de lei, bateria impactante e um baixo que coloca tudo em ordem.

This Conversation Is Ending Starting Right Now é o terceiro álbum da banda, e tecnicamente o último, já que foi lançado em 1998 e nada mais após isso. São músicas agressivas, deixam um pouco o contexto apenas emocional dos dois primeiros álbuns e partem para o ataque, avançando sem parar por todas as dez músicas que o compõe. Considero um belo modo de terminar o trabalho começado cinco anos antes.

Destaco as três primeiras músicas: 'Katherine The Grateful', 'Change Is All The Rage' e 'Shape Of The Fear'. Elas se encaixam e abrem o álbum como nenhuma outra poderia fazer, são agressivas, quando menos esperar elas estarão em cima de você, e estarão nervosas. 'Arrows To The Action' já começa com um instrumental lindo e continua assim até o fim, onde você com sorte se encontrará como a tal flecha. O vocal arrastado de 'Balancing Act' dizendo que há beleza nessa tensão mantém a banda na corda após uma desacelerada, se encaixa perfeitamente precedendo a última música. 'Please Shut Off The Lights' é a décima e última música do álbum, o nome já é propício para seu lugar e ocasião, a guitarra começa e continua diretamente até o fim, a bateria também com um ritmo constante e o baixo contrastando tudo, além da letra, a colocam como a música ideal não só para finalizar essa sequencia de dez, mas sim um bom fim em 'tudo', apesar de também deixar o ouvinte esperando por mais.

Knapsack é uma banda que caminha na mesma estrada de Sunny Day Real Estate, então caso você tenha tentado e gostado, faça o mesmo com esses rapazes. Caso tenha ocorrido o contrario ou tenha ocorrido apenas um nada, aí está mais uma chance para tanto.

Agora tenho que voltar para a cama que ainda estou de recuperação e com pontos na barriga. Um abraço e até a próxima.

Everybody Was in the French Resistance...Now! - Fixin' the Charts, Volume 1

2010-02-03T21:17:00.004-03:00

Everybody Was in the French Resistance...Now! (sim, esse é o nome da banda) é um projeto do Eddie Argos, vocalista do Art Brut, com a multi-instrumentista Dylan Valdés do The Blood Arm. O único elemento comum entre Everybody... e a banda principal de Eddie (além do próprio Eddie) é que as letras são tão cômicas quanto as do Art Brut. O som do Everybody..., em oposição ao punk do Art Brut, é um ‘indie pop’ bem leve que tem piano como base na maioria das músicas. Obviamente, esse som não combina com a voz irônica-e-com-sotaque-britânico-extremamente-carregado do Eddie. E, naturalmente, isso coloca o humor sarcástico de Argos em um nível completamente novo.

Fixin' the Charts, Volume 1 é composto por doze músicas e todas são ‘reações’ a músicas de outros artistas. Exemplo, “G.I.R.L.F.R.E.N (You Know I've Got A)” é uma resposta para “Girlfriend” da Avril Lavigne, e “He's a "Rebel"” é, provavelmente, resposta pra “He's a Rebel”, hit do girl group The Crystals nos anos 60 - vou deixar vocês descobrirem sozinhos qual música inspirou “Billy's Genes”. Entre os artistas cujas músicas serviram de ‘inspiração’ para o Everybody... também estão Bob Dylan e Kanye West.

Acho bom deixar bem claro que as músicas são ‘respostas’ para (ou foram inspiradas por) outras músicas, não são de forma alguma paródias nem nada do tipo, absolutamente não.

Colocar ‘Volume 1’ na frente do nome do seu álbum é algo bastante ambicioso - é presumir que haverão outros. E no caso de Everybody Was in the French Resistance...Now!, eu realmente espero que sejam feitos outros álbuns. Fixin' the Charts, Volume 1 mal foi lançado e eu mal posso esperar por um Fixin' the Charts, Volume 2 ou qualquer coisa do tipo. Diversão garantida.

Faixas que merecem destaque: “Creeque Allies”, “Superglue”, “G.I.R.L.F.R.E.N (You Know I've Got A)”, “(I'm So) Waldo P. Emerson Jones”, “Coal Digger”, “He's a "Rebel"”.

A Place to Bury Strangers - Exploding Head

2010-02-02T22:02:00.005-03:00

A Place to Bury Strangers veio do Brooklyn, NYC, e faz bastante barulho. ‘Shoegaze experimental’ é talvez a melhor forma de descrever seu primeiro álbum, A Place to Bury Strangers, de 2007. Entretanto, em seu segundo disco, Exploding Head (2009), eles deixaram a parte experimental um pouco mais de lado e focaram-se mais em seu lado realmente barulhento. E fizeram um álbum que é superior ao excelente debut de 2007.

Quarenta e três minutos de barulho, com guitarras agressivas e uma wall of sound extremamente bem feita. Há em Exploding Head um poder que não está presente na maioria das bandas do chamado ‘Newgaze’ (bandas atuais que ‘resgataram’ o shoegaze). Músicas com uma atmosfera pesada e etérea, com bastante distorção e guitarras que competem com a bateria por sua atenção na maior parte do tempo. Em contraste com os instrumentos, os vocais de Oliver Ackermann são, em sua maioria, calmos - e sua voz está mais parecida com a do Jim Reid do que nunca. ‘Épico’ é uma palavra que vem à mente. Exploding Head é obrigatório a todos que gostam do gênero.

Skywave, a antiga banda do Ackermann, também merece ser ouvida.

Faixas que merecem destaque: “It Is Nothing”, “Keep Slipping Away”, “Ego Death”, “I Lived My Life to Stand in the Shadow of Your Heart”, “Everything Always Goes Wrong”.

The Wannadies - Be a Girl

2010-02-01T21:36:00.002-03:00

Formado em Skellefteå, Suécia, em 1988, o quinteto The Wannadies, liderdado por Pät Wiksten, lançou seis álbuns durante sua carreira, até acabar em 2009. Be a Girl, de 1994, é talvez o mais notável deles por ter sido o responsável por ‘lançar’ o Wannadies internacionalmente. A música “You and Me Song” foi usada no filme americano Romeu + Julieta (1996) e o Be a Girl saiu no auge do movimento Britpop no Reino Unido, o que com certeza contribuiu pro Wannadies ser ‘percebido’ (apesar de nunca ter atingido os níveis que bandas como Blur e Oasis atingiram).

No geral, o som do Wannadies é parecido com o de bandas como Teenage Fanclub e Weezer (no começo da carreira), e a influência do Pixies também é bastante clara. Com isso dito, não poderia ser diferente: Be a Girl é algo pra ouvir e se esquecer do tempo. As onze faixas/quase quarenta minutos passam muito rápido e assim que a última faixa acaba, você fica querendo que houvessem outras onze.

Depois que anunciaram o fim da banda, em 2009, o vocalista Pät Wiksten disse que começará uma carreira solo. Só nos resta esperar e ver o que vai sair disso.

(Não tem muito a ver com esse álbum, mas:)
Por volta de 2007, o também sueco Säkert! fez um interessantíssimo cover da música “My Home Town”, do primeiro álbum (The Wannadies, 1990), como “Min Hemstad”, cantada na língua sueca. Eles a tocaram ao vivo em vários shows.

Faixas que merecem destaque: “You and Me Song”, “Might Me Stars”, “Love In June”, “New World Record”, “Dying For More”, “Dreamy Wednesdays”.

The Runaways - The Runaways

2010-01-31T16:32:00.002-03:00

Formada em 1975 por Joan Jett (guitarra) e Sandy West (bateria), The Runaways foi a ‘primeira’ banda só de mulheres a tocar rock pesado. Seu debut, The Runaways, foi lançado em 1976 e tem uma importância história imensurável - é um clássico instantâneo. O fato de que, no meio dos anos 70, uma banda formada por cinco garotas adolescentes fazia um hard rock com solos de guitarra impressionantes e letras que tratavam basicamente dos mesmos temas que homens já cantavam há anos era, ao mesmo tempo, revigorante e intimidador.

O sucesso que o Runaways atingiu em sua curta carreira (a banda acabou em 1979) foi essencial para que mulheres passassem a serem respeitadas no mundo do rock. Várias bandas, também formadas só por mulheres (The Donnas, Sahara Hotnights, L7), ou não (Germs, White Flag, Rhino Bucket) citam The Runaways em suas influências.

Toda sua discografia é muito boa e, principalmente, o debut The Runaways merece ser escutado.

Depois que a banda acabou, a guitarrista Joan Jett continuou uma ‘carreira solo’ com a banda Joan Jett & the Blackhearts, que também vale a pena ouvir. A versão dela da música “I Love Rock n' Roll” é provavelmente a melhor e mais conhecida até hoje.

Faixas que merecem destaque: “Cherry Bomb”, “You Drive Me Wild”, “Blackmail”, “Dead End Justice”, “Is It Day Or Night?”

Lykke Li - Youth Novels

2010-01-30T15:37:00.005-03:00

Em contraste com o post de ontem, um indie pop bem leve, suave e ‘made in Sweden’. Li Lykke Timotej Zachrisson (ou simplesmente ‘Lykke Li’, seu nome artístico) é uma cantora nascida em Estocolmo, Suécia, que lançou seu primeiro álbum, Youth Novels, em 2008. O álbum, produzido por Björn Yttling da banda Peter Bjorn and John, mistura indie, pop e eletronica com perfeição. Mas é com certeza o pop que fala mais alto. Já vi pessoas dizendo que ela é a ‘Björk sueca’, mas isso seria reduzir demais tanto o trabalho da própria Björk quanto o da Li. Sem pensar em ‘melhor ou pior’, as músicas da Li são definitivamente bem mais ‘acessíveis’ que as da Björk.

Com uma produção impecável, Youth Novels foi com certeza um dos melhores álbuns lançados em 2008. Músicas que vão desde um pop bem descontraído até algo um pouco mais próximo do ‘dark’, mas sempre são incrívelmente agradáveis de se ouvir. A voz de Li merece destaque - é bastante versátil. Pode ser delicada, suave, forte e determinada. Em alguns momentos, tudo isso ao mesmo tempo. O uso de ‘espaço’ nos vocais e instrumentos também ajuda a tornar tudo muito mais impressionante.

É um dos melhores debuts ‘solo’ da década. Não há muito mais o que dizer sem ser repetitivo.

Em 2009, ela compôs uma música (“Possibility”) para a trilha sonora de Lua Nova, e acredito que isso foi algo ótimo para ajudar a divulgar seu trabalho. Li já fez participações em músicas de artistas como Röyksopp, Kings of Leon e talvez a mais notável seja na faixa “Gifted”, da dupla N.A.S.A., junto com Santigold e Kanye West (eu não sou muito fã do tipo de música que o N.A.S.A. faz, mas essa vale a pena ser escutada).

Ela também anunciou, atráves de seu MySpace, que está trabalhando em seu próximo álbum mas que, infelizmente, ainda vai demorar um pouco pra ficar pronto.

Faixas que merecem destaque: “Dance, Dance, Dance”, “I'm Good, I'm Gone”, “Complaint Department”, “Little Bit”, “Breaking It Up”, “Let It Fall”.

Pretty Girls Make Graves - Good Health

2010-01-29T14:24:00.004-03:00

Se houvesse alguma lista de ‘bandas que acabaram cedo demais’, Pretty Girls Make Graves estaria nela com certeza, e bem perto do topo. Formado em Seattle em 2001, o Pretty Girls Make Graves acabou oficialmente em 2007. Lançaram três álbuns de estúdio, um EP e alguns singles nesse período. O primeiro, Good Health, de 2002, é um álbum incrível e muito curto - tem apenas 9 faixas e menos de trinta minutos. Pretty Girls Make Graves é geralmente acompanhado da tag ‘art punk’ e ouvindo seu debut, é fácil perceber o porquê.

Good Health é viciante. Músicas com riffs de guitarra extremamente bem trabalhados que ficam em sua cabela por horas depois de terem sido escutados. Assim como o resto dos instrumentos, os vocais são em sua maioria fortes e agressivos - Good Health é um punk quase ‘refrescante’ de ouvir. As bandas não são parecidas, mas esse álbum tem a mesma energia presente no debut do Libertines, Up the Bracket (do mesmo ano, 2002). É um álbum altamente recomendado.

(o nome da banda veio da música “Pretty Girls Make Graves”, lançada pelo Smiths em seu primeiro álbum, The Smiths, de 1984 - que, por sua vez, tirou o título de uma citação de Jack Kerouac em seu livro The Dharma Bums)

Faixas que merecem destaque: “Speakers Push the Air”, “More Sweet Soul”, “Ghosts in the Radio”, “If You Hate Your Friends, You're Not Alone”.

Dressy Bessy - Dressy Bessy

2010-01-28T14:27:00.004-03:00

Depois desse post do Vinícius, nada melhor que continuar com nossa programação normal.

E hoje estamos com Dressy Bessy, uma banda formada em Denver, Colorado, que está na ativa desde 1996 mas só lançou um debut mesmo em 1999, o Pink Hearts and Yellow Moons, que foi seguido por SoundGoRound em 2002 e, finalmente, Dressy Bessy em 2003. E é em Dressy Bessy que o som deles realmente atinge seu melhor. As músicas, todas escritas pela vocalista e guitarrista Tammy Ealom, são um pop rock leve e bastante acessível. Bandas como Ramones e Blondie são uma influência bem clara e também é bem possível compará-los com that dog., principalmente com o álbum Retreat From the Sun de 1997.

Dressy Bessy é bem simples, nada de orquestrações ou solos de guitarra com cinco minutos - apenas os infalíveis 'baixo/guitarra/bateria' sem pretensão nenhuma. O resultado é um disco divertido e animado, com músicas pop incrívelmente grudentas (na melhor forma possível).

Só uma informação interessante: Dressy Bessy está associada ao Elephant 6 Collective, mesmo ‘grupo’ de onde saíram algumas das bandas mais notáveis de indie rock/pop dos anos 90, como of Montreal, Neutral Milk Hotel, The Apples in Stereo e Elf Power.

Faixas que merecem destaque: “This May Hurt (A Little)”, “Girl, You Shout!”, “Better Luck”, “Tidy”, “Hey May”.

Explicações.

2010-01-28T09:06:00.000-03:00

Diferente da outra vez que sumi do blog, dessa vez tenho motivos reais para tanto.

O primeiro é o seguinte: estou prestando um concurso da Petrobrás, todo meu tempo (ou toda a parte produtiva dele) está sendo dedicado a esse objetivo, realmente tenho que dar um jeito de passar nessa parada.

O segundo é o tal: amanhã farei uma cirurgia, não está sendo fácil nos últimos dias vir ao computador e tudo mais, e depois de sexta, acredito que ficará um tanto quanto mais complicado por uma ou duas semanas. Não vou dar detalhes sobre isso por aqui, é uma operação relativamente simples, mas que ainda assim é um trabalho cirúrgico.

Peço desculpas aos leitores e aos outros colaboradores (principalmente ao André, que apesar de estar a pouco tempo aqui, vem carregando o UBPD nas costas) e compreensão. Assim que possível retorno as atividades normais.

Abraços.

Lou Barlow - Emoh

2010-01-27T14:40:00.003-03:00

1984, Lou Barlow e J Mascis formaram o Dinosaur Jr., com Lou no baixo e Mascis na guitarra/voz. Em 1988, depois de lançado o terceiro álbum, Bug, Barlow saiu da banda. E então começou a se focar mais no Sebadoh, que até aí era um projeto paralelo. Alguns álbuns depois, Barlow começou uma outra banda, The Folk Implosion, mas sem acabar com o Sebadoh (que lançou o último álbum em 1999 e ficou anos em ‘pausa’, fizeram uma reunião em 2007 e até hoje não acabaram oficialmente). Resumindo, Lou Barlow é praticamente um workaholic. Mas nunca tinha lançado nada solo com seu próprio nome até 2005, quando saiu Emoh.

Em sua carreira solo, Barlow faz um som acústico que é quase folk - mostrando um lado que não tinha sido muito explorado em suas bandas passadas. Usando violão como base ao mesmo tempo em que há instrumentos elétricos e alguns (poucos) elementos mais eletrônicos, é um álbum consistente. Com 14 faixas muito bem feitas, Emoh é muito mais do que ‘um Sebadoh tocado no violão’.

A voz do Lou merece comentários tanto quanto o resto dos instrumentos. O que aconteceu é que provavelmente sua voz nunca teve tanto destaque assim em meio às guitarras distorcidas do Sebadoh, mas seja lá o que foi; ela está muito mais forte e marcante do que em qualquer outro momento de sua carreira.

(sobre o nome do disco; a palavra “emoh” significa ‘relutante’ em indonésio e também é ‘home’ ao contrário.)

Também em 2005, Barlow voltou para o Dinosaur Jr. juntamente com Murph (o baterista, que tinha saído da banda em 1993), e desde então já lançaram dois novos discos incríveis com a formação original do Dinosaur Jr., Beyond (2007) e Farm (2009).

Faixas que merecem destaque: “Round-N-Round”, “Home”, “Mary”, “Holding Back The Year”, “Caterpillar Girl”.

CSS - Donkey

2010-01-26T19:15:00.004-03:00

Quando o ‘aguardado’ (?) segundo disco da banda paulistana saiu em 2008, a evolução no som deles era mais do que nítida. Os (quase irritantes) barulhos estranhos feitos por teclados/sintetizadores foram substituídos por guitarras bem trabalhadas, agora parece que todos sabem tocar seus instrumentos e até as letras parecem não ser mais tão sem sentido. E é claro que muita gente não gostou disso.

Gostando da banda ou não, é impossível não ficar impressionado com Donkey, principalmente depois de se ter ouvido o primeiro trabalho (Cansei de Ser Sexy, 2005). Donkey é um álbum de rock que ninguém esperava vir de uma banda que fazia músicas como “Alala” e “Meeting Paris Hilton”. Eles também gravaram um cover (muito bom, por sinal) de “Cannonball” do Breeders, e lançaram como b-side no single “Left Behind”.

Não dá pra dizer se Donkey é melhor ou pior que o debut, na verdade mal dá pra comparar os dois. As músicas “Move” e “Believe Achieve” são as que mais lembram o som antigo deles, mas mesmo nelas há uma base com bastante guitarra, coisa que não tinha tanto destaque na maior parte do primeiro álbum. Outra coisa que dá pra perceber é que em Donkey não há muita mistura das línguas nas letras, e também não tem nenhuma música cantada inteira em português, como no Cansei de Ser Sexy.

Pode não ter sido tão ‘bem-recebido’ (?) pela crítica quanto o primeiro, mas com Donkey o CSS provou mais do que qualquer outra coisa que é capaz de surpreender. Eu realmente não faço ideia do que esperar do terceiro álbum.

Faixas que merecem destaque: “Jager Yoga”, “Rat Is Dead (Rage)”, “I Fly”, “Left Behind”, “Air Painter”.

VV Brown - Travelling Like the Light

2010-01-25T16:36:00.003-03:00

Enquanto no ano passado nomes como La Roux, Animal Collective e Grizzly Bear povoavam listas de ‘melhores do ano’, preciosidades como Travelling Like the Light foram ignoradas com uma frieza quase cruel. O álbum de estreia da britânica Vanessa ‘VV’ Brown é um pop incrível descrito pela própria cantora como ‘doo-wop indie’, e é possível perceber certas influências de ‘indie punk’ e, apesar de estar meio implícito no ‘doo-wop’, o soul também é uma grande parte de sua música.

Algumas pessoas a comparam com a Amy Winehouse, mas pessoalmente eu acho que o som delas não é muito parecido - tirando a parte que as duas foram bastante influenciadas por R&B e soul. As músicas da VV no geral têm uma energia muito positiva, que definitivamente não está presente nos trabalhos da (também ótima) quase-depressiva Winehouse.

Travelling Like the Light foi quase todo escrito (música e letras) pela própria Vanessa e é um álbum que brilha do começo ao fim, com letras sinceras e uma voz magnífica. Como uma ‘atualizada’ na (excelente) música pop dos anos 50 e 60, é o tipo de coisa que você sente uma vontade irresistível de colocar pra tocar de novo assim que a última música acaba. E eu sugiro que você o faça, ouvir apenas uma vez é muito pouco pra esse disco.

(VV Brown também tem uma carreira como modelo, já participou de alguns desfiles e fez uma sessão de fotos pra revista Vogue no começo de 2009.)

Faixas que merecem destaque: “Quick Fix”, “Shark in the Water”, “Crying Blood”, “L.O.V.E.”, “Bottles”, “Crazy Amazing”.

Uh Huh Her - Common Reaction

2010-01-24T22:43:00.003-03:00

Formada em Los Angeles por Camila Grey e Leisha Hailey, Uh Huh Her é uma banda de electropop. Lançaram um EP, I See Red, em 2007 e o primeiro álbum de fato, Common Reaction, um ano depois.

Leisha Hailey é provavelmente mais conhecida como atriz, pelo seu papel de Alice Pieszecki na série The L Word (é, essa mesma), mas antes de Uh Huh Her ela já tinha uma carreira na música, nas bandas The Murmurs e Gush. Camila Grey também tem um passado musical de respeito, tendo tocado baixo e teclado pra artistas que vão desde Melissa Auf der Maur até Kelly Osbourne, e também foi membro do Mellowdrone.

Common Reaction tem um som meio electropop, mas é um som bastante ‘adulto’ e ‘sólido’, com boas pitadas de rock nos momentos certos. As duas meninas dividem os vocais e as vozes funcionam juntas com perfeição. Também é uma boa dizer que são vozes bem ‘diferentes’ da maioria dos artistas que fazem esse tipo de música, o que provavelmente é o maior diferencial e a melhor parte da banda.

É um álbum ótimo, feito com uma competência invejável. Eu diria que em algumas partes dá até pra comparar com o It's Blitz! do Yeah Yeah Yeahs, ignorando o fato de que foi lançado quase sete meses antes do álbum da Karen O e sua banda.

(Curiosidade: o nome, ‘Uh Huh Her’, veio do título de um álbum lançado em 2004 pela cantora inglesa PJ Harvey, Uh Huh Her.)

Faixas que merecem destaque: “Not A Love Song”, “Explode”, “Dance With Me”, “So Long”, “Common Reaction”, “Say So”.

Teenage Fanclub - Bandwagonesque

2010-01-23T20:13:00.004-03:00

Teenage Fanclub é uma banda de Glasgow, Escócia, formada por volta de 1989. Até hoje, eles já têm oito álbuns de estúdio e planejam lançar o nono em 2010 (que faz parte da minha lista dos lançamentos mais esperados pra esse ano).

Bandwagonesque, lançado em 1991 e terceiro álbum da carreira, é uma das melhores coisas que eu ouvi nos últimos tempos. ‘Simplicidade’ é a melhor palavra para descrevê-los, as músicas são muito bem feitas e em cada faixa é possível perceber o quanto a banda se diverte tocando. Vale a pena dizer também que os vocais são divididos entre os guitarristas (Norman Blake e Raymond McGinley) e o baixista (Gerard Love) - cada um canta nas músicas que escreve.

Com um ‘alternative rock’ que só poderia ter sido feito nos anos 90, o som do Teenage Fanclub pode ser descrito como algo entre Weezer e R.E.M., se é que existe tal coisa. Assim como toda a discografia deles (principalmente o Grand Prix, 1995, e o mais novo, Man-Made, 2005), é recomendadíssimo a todos que gostam de um bom e velho rock, apenas pra ouvir e relaxar.

Faixas que merecem destaque: “What You Do To Me”, “Pet Rock”, “Star Sign”, “Metal Baby”, “I Don't Know”, “The Concept”.

The 6ths - Wasps' Nests

2010-01-22T18:24:00.004-03:00

Quando se trata de indie pop anos 90, ninguém fez melhor do que Stephin Merritt com o Magnetic Fields. Mas aqui vou falar de um outro projeto do Merritt, The 6hts. O primeiro álbum lançado sob esse nome foi Wasps' Nests em 1995 (os nomes da banda e do álbum são trava-línguas, btw) que, musicalmente, não é tão diferente do que o Magnetic Fields já vinha fazendo nessa época. O que torna The 6hts único são os vocalistas. Cada uma das quinze músicas que compõem o álbum tem um cantor diferente.

Entre os vários nomes convidados podemos destacar Lou Barlow (Sebadoh), Mac McCaughan (Superchunk), Georgia Hubley (Yo La Tengo), Dean Wareham (Galaxie 500) e até mesmo o próprio Stephin Merritt. E o resultado é realmente incrível; as músicas são leves e do tipo ouvir-milhares-de-vezes-sem-cansar que só Merritt (que escreveu todo o álbum) é capaz de fazer. Se ele tivesse gravado vocais para todas as músicas de Wasps' Nests, poderia muito bem ter sido um dos melhores trabalhos carreira do Magnetic Fields - mas provavelmente são as diferentes vozes contribuem para ser um álbum impressionante, cada faixa é única. E é certamente uma das melhores coisas que o Merritt já fez em sua carreira, e provavelmente o melhor álbum ‘esquecido’ dos anos 90.

(Stephin Merritt)

Em 1999, The 6ths lançou um segundo álbum chamado Hyacinths and Thistles (outro trava-língua) com o mesmo formato - cada música com um vocalista diferente e tudo mais. E, sinceramente, é um álbum bom mas não chega aos pés do Wasps' Nests.

Faixas que merecem destaque: “Aging Spinsters”, “In the City in the Rain”, “Puerto Rico Way”, “Winter in July”, “You Can't Break A Broken Heart”.

The Raveonettes - In and Out of Control

2010-01-21T13:00:00.003-03:00

Encerrando minha (acidental) trilogia ‘noise’: The Raveonettes e seu último lançamento, In and Out of Control. Vindos da Dinamarca, a dupla formada por Sune Rose Wagner e Sharin Foo já lançou quatro álbuns e vários EPs (incluindo um só com músicas de natal). Não dá para dizer que cada um deles tem um estilo diferente, mas eles são bem diferentes entre si - e In and Out of Control, de 2009, combina os elementos que formaram os outros três álbuns, por isso que é provavelmente o melhor trabalho deles desde o debut Chain Gang of Love, de 2003.

Há músicas que vão desde o ‘barulho’ do primeiro álbum, passando pelo som um-pouco-mais-‘limpo’ do segundo (Pretty in Black, 2005) e chegam até o quase shoegaze do Lust Lust Lust (2007).

In and Out of Control começa com a maravilhosa “Bang!” e não poderia começar de nenhuma outra forma - se a ordem das músicas fosse alterada, não seria mais a mesma coisa. Provavelmente a música mais ‘doce’ que eles já fizeram em toda a discografia, é impossível escutá-la e não ficar com ela na cabeça por horas - e o resto é tão bom quanto.

Se fosse absolutamente necessário compará-los a alguma outra banda, The Jesus and Mary Chain seria o melhor nome.

Os EPs lançados também são muito bons. Whip It On, lançado em 2002, antes do primeiro álbum, tem um som muito mais agressivo e barulhento do que eles fizeram depois. E em 2008, lançaram quatro EPs (The Raveonettes Remixed, Sometimes They Drop By, Beauty Dies e Wishing You A Rave Christmas) que também têm um som bem diferente do que eles fazem nos álbuns e, junto com a discografia toda, são altamente recomendados.

Faixas que merecem destaque: “Bang!”, “Heart Of Stone”, “Suicide”, “Breaking Into Cars”, “Break Up Girls!”

The Big Pink - A Brief History of Love

2010-01-20T20:17:00.006-03:00

Continuando um pouco no clima ‘noise’; The Big Pink é uma dupla londrina formada em 2007 por Robbie Furze e Milo Cordell. Lançaram ano passado o incrível A Brief History of Love, que mistura shoegaze, sintetizadores e uma pegada pop que é revigorante. É um álbum que oscila constantemente entre o ‘divertido’ e o ‘dark’.

Um dos pontos altos do álbum é o lead single “Dominos”, que é provavelmente o melhor exemplo do que eles podem fazer - misturar guitarras distorcidas e um refrão grudento, criando músicas parecendo ter sido feitas para serem tocadas em uma arena para milhares de pessoas. E a maioria do álbum tem esse clima. Claro que há algumas músicas mais calmas, e às vezes até ‘sombrias’, mas no geral são músicas que fazem você se sentir bem enquanto escuta.

A Brief History of Love é um álbum bom do começo ao fim. Tem (grandes) influências de shoegaze/noise, sim, mas antes de qualquer coisa é um álbum bem acessível a todos. E eu certamente o recomendo a todos.

(Eles também já fizeram remixes pra algumas bandas, incluindo Lily Allen e Muse. Eu, pessoalmente, odeio remixes então nunca nem fui atrás deles - mas se você gosta, preocure-os, devem valer a pena.)

Faixas que merecem destaque: “Crystal Visions”, “Too Young To Love”, “Dominos”, “Tonight”, “At War With the Sun”, “Golden Pendulum”.

The Twilight Sad - Forget the Night Ahead

2010-01-19T17:06:00.003-03:00

The Twilight Sad é uma banda da Escócia que lançou em 2007 seu bom-mas-não-ótimo debut, Fourteen Autumns & Fifteen Winters. E em 2009 eles lançaram o segundo álbum e motivo desse post, Forget the Night Ahead. Provavelmente pelo fato do primeiro cd não ter me impressionado muito, nunca tinha escutado o segundo apesar de tê-lo no computador há meses. O que foi claramente um erro, porque agora não consigo parar de ouvir.

Forget the Night Ahead tem um som que é muito mais ‘coeso’ que o Fourteen Autumns..., e o pesado sotaque escocês está bem mais inteligível também. Nesse álbum, a banda levou o ‘noise’ do primeiro trabalho a um nível completamente novo no som deles. As músicas são simples e gigantescas, é um álbum que te envolve desde a primeira faixa.

Em 2008, eles lançaram uma ótima compilação chamada Killed My Parents and Hit The Road (nome e capa foram inspirados pelo álbum Goo do Sonic Youth, btw) que inclui versões ao vivo, alguns covers (de Joy Division, The Smiths e Yeah Yeah Yeahs) e duas músicas, “Untitled #27” e “Untitled #28”, que acabaram sendo regravadas e se tornaram duas das melhores músicas do Forget the Night Ahead, “The Room” e “The Neighbours Can't Breathe” respectivamente.

Com três álbuns (incluindo a compilação) e dois EPs, The Twilight Sad tem uma discografia muito boa que merece ser escutada com atenção. Principalmente se você gosta de músicas barulhentas e, às vezes, quase caóticas.

Faixas que merecem destaque: “I Became a Prostitute”, “The Room”, “That Birthday Present”, “The Neighbours Can't Breathe”

Girls - Album

2010-01-18T15:11:00.005-03:00

Girls é uma banda de San Francisco, Califórnia, que lançou seu debut, Album, em 2009 depois de alguns (ótimos) singles em 2008. E há vários momentos geniais nele, mas vamos começar com o começo: o título. “Album” é um nome muito mais criativo que simplesmente um self-titled, não? (tá, eles não foram a primeira banda a usar esse título, mas não deixa de ser criativo.) Agora que isso já foi estabelecido, vamos para as músicas em si. É possível comparar Girls (em diferentes momentos) com Sonic Youth, Dinosaur Jr., The Jesus and Mary Chain e até The Beach Boys e The Smiths. E não é como se eles copiassem essas bandas, essa variedade de influências cria um estilo próprio; por mais clichê que seja dizer isso.

A incrível faixa “Lust for Life” abre o disco e, como qualquer outra ‘música de abertura’ boa, define o clima do álbum todo. Há oscilações, principalmente na parte instrumental das músicas, mas isso não prejudica de forma alguma o andamento. E, como eu já disse, há uma miscelânea de estilos aqui, que vão desde o tom épico-quase-“How Soon Is Now?” de “Hellhole Ratrace” até o shoegaze de “Morning Light” passando por todos os tipos de ‘indie rock/pop’.

Album é um trabalho completo. Ouvindo-o, você acaba se esquecendo que este é o primeiro álbum lançado - é um dos poucos debuts que fazem parecer que a banda já está junta há mais de dez anos. Simplesmente merece ser ouvido.
(e vale a pena dizer também que os clipes do Girls são lindos; têm uma fotografia impecável e parecem ter sido gravados no meio de um ‘encontro casual’ com os amigos na casa de algum deles, de forma totalmente despretenciosa - e não duvido nada que tenham sido realmente feitos assim)

Faixas que merecem destaque: “Morning Light”, “Lust for Life”, “Hellhole Ratrace”, “Big Bad Mean Motherfucker”, “Darling”.

Rotterdam Ska Jazz Foundation - Shake Your Foundation.

2010-01-17T21:30:00.003-03:00

Esse está, sem sombra de dúvidas, entre as melhores coisas que ouvi nos últimos tempos. Rotterdam Ska Jazz Foundation é uma banda de ska-jazz, como o próprio nome já diz, que também tem alguns pés no rocksteady e no soul. Formada na Holanda por volta do ano 2000, conta com músicos experientes e de grandes talentos, que passam por bateria, baixo, guitarra, piano e uma boa quantidade de metais e sopros, criando assim, músicas de uma harmonia e qualidade incríveis.

Eu poderia citar praticamente todas as faixas do álbum como imperdíveis. Os trompetes são geniais em todo o ele, a bateria encorpa as músicas fazendo você bater os pés no ritmo - mesmo sem perceber aposto que acabará tomando parte disso em algum momento -, baixos consistentes e guitarras muitas vezes cortantes as compõe de cabo a rabo. 'Old Rockin' Chair', original por Jackie Opel, é atualmente a música mais ouvida no meu Last.fm e muito provavelmente continuará assim por um bom tempo, rápida e eficaz, essa versão me pegou de jeito. Outras músicas que devo destacar são 'A Night In Tunesia', 'Pro Teba A.K.A Slaviska', 'Snake Tie', 'Road To Kingstone', 'Lonely Dub' e 'Dubwinder' - mas também devo dizer que foi um tanto quanto difícil não citar as outras que compõe o SYF.

Considero RSJF uma banda que todos deveriam ao menos tentar ouvir, independente de gostarem ou odiarem o dito ska-jazz. Digo também para não se prenderem ao Shake Your Foundation, o trabalho dos rapazes é bem feito e merece atenção, e com sorte essa banda abrirá suas portas para essa vertente que muitas vezes passa, desmerecidamente, batida.

Um abraço e boas músicas.

Owen Pallett - Heartland

2010-01-16T17:52:00.003-03:00

Owen Pallett é um canadense que toca violino - muitíssimo bem, btw - e foi o responsável pelas orquestrações de vários álbuns ótimos, incluindo os dois do Arcade Fire e o novo do Mika. Ele também conduziu a orquestra que toca no debut do Last Shadow Puppets. E ainda tem tempo pra lançar seus próprios álbuns. Heartland é o mais novo deles, desse ano, e o primeiro lançado sob seu real nome (os outros dois, Has A Good Home de 2005 e He Poos Clouds de 2006, saíram como ‘Final Fantasy’ - nome que ele teve que abandonar por causa de direitos autorais e coisas do tipo).

Heartland é um álbum sublime que restaura sua fé na música (caso ela tenha sido perdida) ou a reforça (se ela nunca se foi). Como disse, ele toca violino - e é o violino que é a base central de suas composições, desde o debut, o que faz músicas lindas e, no mínimo, interessantes de ouvir. Em Heartland, Owen parece que não tem medo de arriscar. Ele usa vários elementos eletrônicos, orquestras inteiras e mais bateria do que seus dois outros álbuns juntos. O resultado não é um álbum pra se ouvir, pela primeira vez, enquanto faz qualquer outra coisa. Ele merece ser ouvido sozinho e, de preferência, em fones de ouvido pra poder prestar atenção em cada um dos mínimos detalhes de cada música.

Vale a pena dizer também que, apesar de suas composições grandiosas, na maioria de suas apresentações ao vivo o Owen está completamente solo. É só ele com o violino e um loop pedal. E às vezes as músicas acabam ficando até mais poderosas do que as versões em estúdio.
(e o fato de que os (meus) últimos posts foram sobre artistas canadenses foi só uma coincidência mesmo, nada pessoal.)

Faixas que merecem destaque: “Midnight Directives”, “Lewis Takes Action”, “Lewis Takes Off His Shirt”, “E Is For Estranged”, “Tryst with Mephistopheles”.

The Unicorns - Who Will Cut Our Hair When We're Gone?

2010-01-15T19:05:00.004-03:00

Provavelmente nunca teria ouvido falar em The Unicorns se não fosse pelo 100º episódio de How I Met Your Mother. Eu agradeceria o Ted Mosby, se ele não fosse fictício. No lugar, contento-me em agradecer o(a) gênio que escreve os roteiros de HIMYM. Ou seja lá quem foi que colocou o Ted comentando sobre Who Will Cut Our Hair When We're Gone? na série.

Vindos do Canadá, lar de taaantas coisas ótimas dos anos 00, o The Unicorns lançou os únicos dois álbuns de estúdio no mesmo ano, o longínquo 2003. Os álbuns em questão são Unicorns Are People Too, em fevereiro, e Who Will Cut Our Hair When We're Gone?, em outubro. Nesta edição, nos focaremos mais especificamente no segundo disco. Who Will Cut... tem as músicas leves, divertidas e que te ‘conquistam’ que várias bandas tentam fazer mas poucas são as que conseguem de fato. É até triste saber que eles acabaram a banda pouco tempo depois desse álbum - mas pelo menos deixaram pra trás uma verdadeira gema. Who Will Cut... é um desses álbuns que você nem vê o tempo passar enquanto o escuta, mas gostaria que ele não acabasse.

Alguns comparam The Unicorns com The Shins, e não sei se é por eu nunca ter gostado muito de The Shins ou sei lá, mas eu não acho que as duas bandas são tão parecidas. O fato é que Who Will Cut Our Hair When We're Gone? é um lo-fi indie pop de primeira. E eu o recomendo a todos que gostam do gênero.

Faixas que merecem destaque: “I Don't Wanna Die”, “Jellybones”, “Tuff Ghost”, “I Was Born (A Unicorn)”, “Les Os”.

Silversun Pickups - Swoon.

2010-01-14T09:23:00.002-03:00

Indicada pelo grande Jonas, Silversun Pickups é uma banda estadunidense que faz um som meio dream pop, chegando até algumas beiradas do shoegaze e do post-punk. Surgiram em 2003, com um EP chamado Pikul e em 2006 lançaram Carnavas, álbum que colocou os caras no cenário musical internacional, dando oportunidades para abrir shows de bandas de calibre, como Wolfmother e Foo Fighters. 2009 foi o ano que Swoon saiu do estúdio e 2010 foi quando chegou ao meu disco rígido.

Devo dizer que talvez o Carnavas seja melhor que o Swoon em certos aspectos, mas como o segundo me conquistou mais, resolvi aborda-lo nessa primeira oportunidade. Smashing Pumpkins é um claro motivo de comparação aqui, mesmo com os integrantes da banda os citando nas listas de influências, em Swoon você consegue perceber sutis lembranças de SP em praticamente todas as músicas. O pincipal single, 'Panic Switch' foi a primeira música que ouvi e me convenceu a dar uma oportunidade para a banda - não me arrependi -, a guitarra é ótima, a bateria é ótima, o vocal é ótimo e o baixo me pegou de jeito. 'There's No Secret This Year', a faixa de abertura faz bem o serviço de colocar os ouvintes no clima certo, 'The Royal We' é rápida e eficiente, assim como a maioria delas. 'Draining' é um intermédio, uma música mais tranquila praticamente no meio do álbum, que acalma os ânimos, mas sem desanima-los, sendo que 'Sort Of' já começa a aquece-los logo após. 'Panic Switch' e 'Catch And Release' estão inclusas não só nesse, mas também no 'MTV Unplugged', coletânia que com certeza absoluta merece ser ouvida (talvez mais do que o próprio Swoon, motivo do post).

Não considero Silversun Pickups a descoberta do ano e nem algo que vá revolucionar o meu ou o seu gosto musical, mas sim uma banda que merece alguns minutos de sua atenção. Com apenas dois álbuns e um acústico (fora os EPs e essas coisas de praxe) - todos de uma qualidade e um trabalho bem feito, quase únicos -, uma bela lista de influências e ótimas críticas, é o que índico sem sombra de duvidas nesse dia 14 de janeiro de 2012.

Um abraço e até a próxima.

1990s - Cookies

2010-01-13T14:26:00.003-03:00

Apesar do nome, o 1990s lançou seu primeiro álbum em 2007 - o maravilhoso Cookies. Um dos álbuns mais divertidos da década, é triste ver o como ele foi ‘esquecido’. A comparação mais próxima do som deles é, possivelmente, Franz Ferdinand apesar de no fundo nem parecer muito. Vale dizer também que o 1990s vem da mesma terra que o Franz, a Escócia. (que também é a mesma do Jesus and Mary Chain, e Belle and Sebastian, e Teenage Fanclub, e Sons and Daughters, e Camera Obscura, e The Vaselines, e prontoparei.)

As letras das músicas do Cookies são muito bem-humoradas, inteligentes e dão a impressão de que nem a própria banda se leva tão a sério. O que na maioria das vezes cria coisas ótimas e despretenciosas, veja Art Brut (outra banda, posso falar deles outra hora). As músicas em si podem não ter o instrumental mais genial de todos ou serem super vanguardistas, mas são muito animadas e divertidas. É completamente possível colocar o álbum todo pra tocar e nem perceber o tempo passar. Com doze faixas e pouco mais de meia hora, Cookies é um álbum que não vai te fazer refletir sobre a metafísica da vida ou sobre o porquê da Mona Lisa estar sorrindo. Mas com certeza vai alegrar seu dia.

Faixas que merecem destaque: “You Made Me Like It”, “See You At The Lights”, “Is There A Switch For That?”, “Risque Pictures”.

Morrissey - Years of Refusal

2010-01-12T18:24:00.005-03:00

Desde que eu ouvi The Smiths pela primeira vez alguns anos atrás, eles quase nunca saíram de minhas playlists. E por algum motivo ou por outro, nunca tinha prestado atenção na carreira solo do Morrissey - que já conta com nove álbuns de estúdio lançados e algumas compilações desde 1988, pouquíssimo tempo depois do Smiths (sadly) acabar. Mas a questão é: Years of Refusal, último trabalho do cantor, saiu no começo do ano passado e é ótimo.

Qual é a do bebê? Também não sei, mas isso é o de menos - é possívelmente o melhor álbum do Morrissey pós-Smiths desde o Maladjusted de 1997. O que era pra se esperar é que conforme os anos vão passando e ele vai ficando cada vez mais velho, suas músicas vão se tornando cada vez mais calmas (tipo o que aconteceu com Elton John), certo? Talvez, mas não é isso que acontece com Morrissey. Years of Refusal tem músicas rápidas e algumas têm guitarras que são mais agressivas do que qualquer coisa que o Smiths já fez. E Morrissey já tem cinquenta anos agora.

Uma coisa é certa: Morrissey se redescobriu completamente nesse álbum. Até sua voz parece ter sido trabalhada de forma diferente dos trabalhos anteriores (incluindo Smiths). Com Years of Refusal, Morrissey prova (provavelmente de forma não intencional) que não existe idade pra se fazer ou ouvir música boa.

Faixas que merecem destaque: “Something Is Squeezing My Skull”, “When Last I Spoke To Carol”, “It's Not Your Birthday Anymore”, “I'm OK by Myself”.

The xx - xx

2010-01-11T19:10:00.003-03:00

Uma banda que teve seu (ligeiramente supervalorizado) debut lançado ano passado, The xx apareceu ‘do nada’ e de repente era a banda mais hype de todas. O ótimo lead-single do álbum, “Crystalised” talvez tenha ajudado, ok. O som bem minimalista da banda é provavelmente único, não dá pra querer dizer ‘Ah, xx é parecido com tal banda’ porque realmente não dá. Em apresentações ao vivo, eles não tem nem uma bateria - a percussão é feita com um sintetizador. O trio que começou como quarteto (a tecladista saiu da banda alguns meses depois de lançado o debut) fez um dos álbuns mais impressionantes dos últimos tempos, sim. Pelo menos em parte.

xx (o título do álbum é ‘xx’ mesmo, não ‘The xx’) começa com uma sequência incrível e as cinco primeiras músicas são de tirar o fôlego. É uma viagem que você só percebe que acabou quando começa “Fantasy”, a sexta faixa, com certeza o ponto mais baixo do álbum. Não vou dizer que a partir daí a qualidade cai um pouco, mas simplesmente não há mais nenhuma música significativa de verdade depois. Talvez “Night Time”, mas não é mais a mesma coisa. As últimas músicas do álbum não são tão boas quando comparadas às primeiras - não são ruins, mas são meio desanimadoras depois de se ter ouvido “Islands”, “Crystalised” e “Heart Skipped A Beat”.

Apesar desse detalhe, vale a pena ouvir. Os vocais são divididos entre o baixista e a guitarrista; e os riffs de guitarra são minimalistas, leves e bem feitos, assim como o baixo que também é impecável. Como já tinha dito, é um pouco supervalorizado. Mas não dá pra negar que eles fizeram um bom trabalho (o álbum foi produzido pela própria banda).

Codeine Velvet Club - Codeine Velvet Club

2010-01-10T21:08:00.004-03:00

Meninos, meninas e simpatizantes: olá! Meu nome é André e eu sou o novo colaborador aqui do UBPD, qualquer coisa reclamem com o Vinícius. Tinha pensado em fazer um post primeiro pra me apresentar direito antes de ir ao que interessa, mas achei que seria uma perda de tempo e espaço. Então vamos direto ao que importa:
Acredito que alguns de vocês (a maioria, espero) conhecem The Fratellis, e seu ótimo debut Costello Music de 2006. Depois dele, também teve em 2008 o apenas 'bom' Here We Stand. E depois dele, o vocalista Jon Fratelli começou uma banda nova com a cantora Lou Hickey, e hoje o duo atende pelo nome Codeine Velvet Club. Eles lançaram no finalzinho do ano passado seu debut, chamado simplesmente Codeine Velvet Club. O que difere esse projeto paralelo do Jon Fratelli da maioria dos projetos paralelos atuais é que ele carrega muito pouco de sua banda principal (no caso, Fratellis). Claro que há momentos em que é parecido com o que já conhecíamos do Costello Music, mas os momentos são raros. No geral, o som da banda tem um clima quase ‘anos 20’. São músicas pop de primeira com uma seção de metais impecável. Também vale a pena ressaltar que a vocalista Lou Hickey tem uma voz linda e que casa perfeitamente com a do Jon.

Um álbum recomendadíssimo, com músicas dançantes (“The Black Roses”), calmas (“Reste Avec Moi”) e tem até uma quase valsa no meio (“Nevada”). Mas é “I Would Send You Roses” a faixa que provavelmente mais merece destaque dentre as 12 que compõem o álbum. Apesar de tecnicamente ter sido lançado em 2009 (28 de Dezembro...), ele com certeza estará na minha lista de melhores álbuns de 2010.

Paul Banks - Julian Plenti is... Skyscraper.

2010-01-09T08:41:00.008-03:00

Muitos já devem conhecer Paul Banks pelo seu trabalho no Interpol - muito bem feito, devo dizer -, o que nem todo mundo sabe é que ano passado ele lançou um trabalho solo usando o tal nome 'Julian Plenti', álbum que por coincidência (ou não, obviamente) é o abordado nesse post.

Não vou dizer que as músicas são inesperadamente boas, uma vez que vindas do cantor, escritor e guitarrista do Interpol, podemos pular essas formalidades, vamos ignorar o 'inesperadamente' e apenas dizer que elas são muito boas. Uma coisa que acho interessante é que são poucas as músicas que parecem ter sido tiradas de b-sides da banda principal do cara, como acontece algumas vezes com artistas que resolvem lançar trabalhos solos, um exemplo disso é Games For Days, que em boa parte lembra o Interpol de Our Love To Admire, mas isso não é o suficiente para desqualificar o álbum ou desambienta-lo (essa palavra existe?). A abertura com Only If Your Run cria a atmosfera com maestria, e nenhuma outra música deixa a petaca cair. Fun That We Have, Skyscraper, Girls On The Sporting News chamam muito a atenção, sem desmerecer as outras, devo deixar claro. Madri Song, apesar da pouca letra, é linda de ser ouvida, realmente um dos muitos pontos altos do álbum. Resumindo bem, ouça todas com boa vontade, valem a pena.

Sem duvida, Banks faz um belo trabalho pelo Interpol, mas é como Plenti que nos é revelada toda sua capacidade como músico e compositor, uma individualidade (apesar dessa dupla personalidade, no caso) que merece um post aqui e uma chance no seu player.

Abraço e bom sábado.

Death From Above 1979 - You're A Woman, I'm A Machine.

2010-01-08T08:53:00.012-03:00

Death From Above 1979 é uma banda canadense, são os primos bem educados dos nossos vizinhos estadunidenses, aqueles que falam francês e convivem com ursos nas planícies cobertas pela neve. Essa primeira ideia pode fazer muita gente esperar alguma coisa meio Morissette, algo um tanto quanto equivocado, já que o som agressivo e com pegadas no tal dance punk é quase único.

Inesperadamente, a ausência de um guitarrista - e da guitarra, obviamente - não diminui a qualidade do álbum, a dupla composta por um baixista/tocador de sintetizador (seja lá o nome de quem assume essa função) e um vocal/baterista cumprem o dever com honras ao mérito. Romantic Rights, Blood On Our Hands e Black History Month, os singles do álbum, destacam-se entre as outras, mas sem desvaloriza-las. A faixa título You're A Woman, I'm A Machine também merece atenção, assim como todo o resto, claro. Músicas com uma certa tensão, tanto na sonoridade quanto nos vocais.

Apesar do álbum ser de 2004, só tive a oportunidade de ouvi-lo nesses últimos dias, e confesso que com o que eu já tinha ouvido sobre a banda acabei por esperar algo diferente. Fui surpreendido tanto pela diferença entre o que eu tinha formado sobre DFA1979 e a realidade, quanto pelo fato d'eu ,ainda assim, ter gostado tanto dos caras. Sem dúvida ele ainda consegue chamar a atenção em meio a essa nova leva de bandas que os tem como clara influência, e que muitas vezes acabam fazendo apenas mais do mesmo.

Obs.: O Romance Bloody Romance: Remix & B-Sides, álbum de remix lançado em 2005, também deve ser levado em consideração por quem resolver dar uma chance aos canadenses.

Phoenix - Wolfgang Amadeus Phoenix.

2010-01-07T17:25:00.006-03:00

Phoenix é uma banda francesa de synth pop, ou seja, uma banda com um rock alternativo que também faz uso de sintedizadores para conseguir aquele sonzinho diferente que muita gente gosta, e nesse caso, inclusive eu. Mas se você quiser também pode joga-la no famigerado indie rock, apesar d'eu considerar essa tag um tanto quanto suspeita. Os caras estão na estrada desde 1995, apesar do nome Phoenix ter surgido oficialmente em 1996. Frutos do final dos anos 90, apesar do som um tanto quanto diferente do geral tocado nesse período, fazem jus a década - digo isso pessoalmente, por gostar desses anos -, mas foi apenas em 2009 que eles realmente saíram do submundo, com Wolfgang Amadeus Phoenix.

O álbum é bonito, divertido e harmônico. Confesso que as músicas as vezes passam aquela sensação de 'já ouvi isso antes', não como algo copiado, mas sim aquilo de realmente já te ouvido aquela música anteriormente, em algum trecho de comercial ou algo do tipo, tipo aquele comercial da Lacoste com a música da Feist. Posso dizer que as duas primeiras faixas do álbum - Lisztomania e 1901 - são tão divertidas que você corre o risco de cair na tentação de mander o play nelas e esquecer o resto, coisa que não deve ser feita; a instrumental Love Like A Sunset I, seguida pela II são uma boa ponte entre algo que parece dividir o álbum, e o que vem logo após vale a pena a espera. Considero Lasso uma das melhores músicas entre as dez, não desmerecendo suas companheiras, o modo como ela 'sobe e desce' é contagiante. Rome, Big Sun, Girlfriend e Armistice também cumprem seu papel, compondo este ótimo CD.

Eu não sou exatamente o maior dos fãs dessa ramificação musical, mas sem sombra de dúvida indico Wolfgang Amadeus Phoenix (belo trocadilho, por sinal) aos leitores do Uma Banda Por Dia, e acredito ter sido uma boa colocação para uma tentiva de coloca-lo de volta na ativa.

Um abraço a todos e feliz 2010, antes que eu me esqueça.

Break

2009-11-16T22:34:00.002-03:00

Boa noite senhores.

Olha, estou aqui para me dar férias do blog. Estou em reta final de fechamento de bimestre, provas para elaborar, corrigir, notas para fechar, conselho de classe e tudo mais. Não vou ter tempo para me dedicar como deveria à esta instituição, logo, volto qualquer dia desses. Beijo xD

The Fall Of Troy - Doppelgänger.

2009-11-13T12:15:00.005-03:00

Em primeiro lugar, eu e Oswaldo gostaríamos de pedir sinceras desculpas pela falta de post ontem, ocorreram desencontros quanto a horários e essas coisas e, enfim, deu tudo errado. Mas já estamos voltando a nossa programação normal. E por programação normal eu quero dizer: The Fall Of Troy.

TFOT é uma banda que - acho - pode ser classificada como Mathcore ou Post-Hardcore. Eu nunca gostei de músicas com gritos, sempre achei desnecessário e causadoras de belas dores de cabeça, mas Doppelgänger é praticamente isso: som onde vocais suaves e bonitos de misturam com gritos ásperos e agudos. E estranhamente eu não consigo parar de ouvir o CD.

'Act One, Scene One', 'F.C.P.R.E.M.I.X.', 'Macaulay McCulkin' e outras me pegaram de jeito. As guitarras completamente malucas, nervosas e que parecem estar te atacando, a bateria explosiva e os vocais já citados se unem para juntos [s]chamarem o Capitão Planeta[/s] fazerem minha felicidade musical, indo de um som que passa pelo hardcore soando com uma pitada de emocore as vezes (é possível até mesmo encontrar traços de Sunny Day Real Estate - já postado aqui antes - em certos trechos).

Me desculpem a pressa, mas eu to saindo correndo aqui. Ouçam e me digam depois o que acharam.

Abração, povo.

The Replacements - Let It Be.

2009-11-11T20:39:00.010-03:00

Sim, a banda é antiga. Sim, o álbum é antigo. E sim, eu só descobri os caras agora e me sinto quase culpado por conta disso.

Replacements foi uma banda iniciada em 79 e que teve origens na cena punk e hardcore dessa época, e ao ouvir o Let It Be (não tem nada a ver com Beatles, diga-se de passagem) verá que essa fonte tem a sua participação, porém também verá que após álbuns e LPs lançados, a banda alcançou um nicho músical próprio com músicas que passam por piadas sujas até baladas poderosas, tornando-o um dos mais expressivos álbuns da década de 80. Sejamos francos, guitarristas do R.E.M. não se prezam a tocar juntos com qualquer banda, mas Peter Buck colaborou - muito bem, por sinal - nos solos de guitarra da faixa de abertura do LIB, 'I Will Dare'. Outras músicas que me chamaram a atenção foram 'Tommy Gets His Tonsils Out', 'Androgynous', 'Sixteen Blues' e, a música que eu literalmente não consigo parar de ouvir, 'Unsatisfied' (quem assistiu Adventureland provavelmente reconhecerá a música, que faz parte da trilha do filme).

Se me pedirem para comparar Replacements a algo (coisa que praticamente nunca rende bons frutos), eu diria que se aproxima de Minutemen, ou Superchunk, ou talvez Dinosaur Jr., mas como já disse, a partir de certo ponto os caras tomam um rumo próprio, difícil de ser classificado junto com outras bandas de forma eficaz. E não só o Let It Be deve ser pontuado quando falamos de Replacements, 'Hootenanny' e 'Tim' também devem ser ouvidos com carinho por bons ouvidos.

Um último comentário não muito pertinente: eu realmente odeio e não tenho a manha de colocar imagens nessa parada, então fiquem feliz com apenas uma por post (ao menos na maioria deles).

Abraço, beijo, aperto de mão e até sei lá quando.

The Pigeon Detectives - Wait For Me

2009-11-10T23:47:00.008-03:00

Boa noite senhores.

Olha, começarei o post de hoje tendo que confessar ao meu amigo Vini que ele estava errado em relação som sobre o qual falarei hoje. A banda do dia é o "The Pigeon Detectives", que segundo o meu colega supracitado seria qualquer coisa parecida com um "The Kooks mal tocado". Pois bem. Antes de começar a lançar o meu leque de argumentos derrubativos da tese do Vini, vale mencionar que esse som me foi indicado pela Carolina Ferrari, aluna, amiga e futura aluna de violão. Olha, eu vou te falar viu; além de linda, loira e tudo de bom na minha vida essa maldita ainda tem um puta de um gosto musical; brincadeira viu, dá vontade de bater numa porra dessa. Enfim, me desvencilhando de meros devaneios tolos, vamos até onde devemos ir!

O álbum degustado foi o "Wait For Me", de 2007. O Indie pra mim sempre foi um tipo de som que estranha na primeira, agrada na segunda e é só deleite daí pra frente. Meu relacionamento com ele sempre se deu de uma forma gradativa, que vai amadurecendo aos poucos (redudant mode on); às vezes me custa semanas pra me dar bem com uma banda Indie. O que na verdade não aconteceu com o The Pigeon Detectives. Sonoridade efervecente, daquela que faz você ter vontade de sair pirando pelo quarto e ir até a cozinha tocando air guitar, no auge no ridículo. Recheadas de riffs que dão destaque aos médios, as músicas têm altíssima qualidade estrutural com leves e causais "tremiliques", que fazem as mesmas escapar da linha reta e que só vêm a enriquecer o som; esses ligeiros "AVC's" que aparecem em canções como "I'm not sorry" e "Romantic Type" dão um tom nervoso ao álbum; quase um tapa na cara de regozijo.

Tenho que destacar duas faixas das quais eu gostei muito. A primeira, entitulada de "You know I love you" é do tipo, como a propria Carolina diz - chiclete; daquelas que grudam mesmo e que você, assim como eu, ouve dezesseis vezes seguidas. A seguinte - "Caught in a trap" - tem algo assim um tanto quanto circense, colorido, pirulitivo, assim, bem louco mesmo (tá...esse foi um parecer bem sinestésico, mas, enfim..). No mais, sem demais delongas, se estiver um dia afim de se sentir um freak total, ponha esse som, tome seu lexotan e seja feliz! Parecer extremamente positivo para os 007's de jaquetinha de couro do The Pigeon Detectives. Boa noite a todos e aquele abraço.

Black Drawing Chalks - Life Is A Big Holiday For Us

2009-11-09T23:31:00.003-03:00

Boa noite senhores.

Hoje será um dia de estréia aqui no blog. Teremos o primeiro posto de uma banda nacional! Tá, não é tão empolgante assim, mas vamos lá. A banda do dia é o Black Drawing Chalks, de Goiânia. A banda está ligeiramente em alta na cena rock n' roll nacional, participando de vários festivais independentes e também concorreu a três prêmios no VMB (Video Music Brasil), incluindo o de "Aposta MTV" e "Melhor Clipe do Ano" com a música "My Favorite Way" que é desse álbum sobre o qual discorrerei a seguir.

Cara, sem dispensáveis floreamentos e chorumelas, o som é F-O-D-A. A começar pela produção que é de um requinte britânico; nem precisa entender muito de música pra reparar a competência com a qual esse álbum foi feito. As músicas têm uma pegada bem old school, e se você experimentar os fones de ouvido dá pra quase sentir as válvulas dos amplificadores das guitarras fritando ao lado do seu ouvido. As contruções de riffs foram muito bem valorizadas nesse álbum; eles são quentes e elaborados bem no clima das canções, com uma escolha refinada de timbres, ganhos e saturações. Coisa linda de Deus. Um som bem adequado para guitarras dos modelos "Telacaster" ou "ES 335" e para cabelos longos e bigodões. O timbre de voz do vocal lembra vagamente o Steven Tyller, o que engrandece ainda mais o quê old school do som, que eu mencionei previamente.

Uma ótima pedida pra quem curte um som retrô com cadência pop. Experiemente no volume máximo, com um grauzinho no médio e e agudo; voccê vai sentir o poder flamejante da notas gritadas pelos amplificadores desses rapazes do Centro-oeste (cara...isso foi um tanto quanto poético o.O). No mais, ponto positivo para os caras do Black Drawing Chalks, engrossando o caldo do alternativo brasileiro. Fica aí a meu parecer extremamente positivo. Boa degustação e aquele abraço!

Sunny Day Real Estate - Diary.

2009-11-08T18:56:00.010-03:00

Real Emo, essa é a verdade. Emo anos noventa e coisa e tal, não vou negar e tentar fugir do estereótipo, uma vez que ao ouvir verão que quem está errado é o próprio (ao menos o que surgiu com essas bandinhas atuais que se intitulam emo).

O álbum é considerado um dos álbuns que definiu o emo nos 90's, e não sem razão. O vocal puxado e rasgado junto com o instrumental forte e consistente forma um conjunto bonito, com músicas que transmitem aquela sensação de estar a noite andando sozinho na rua, sem saber para onde vai ou de onde veio. Seven (que ficou famosa após ser tocado no programa 'The Jon Stwart Show), In Circles, Song About An Angel e todas as outras são o mínimo para aproveitar o CD e adentrar no universo desse gênero tão mal falado e erroneamente desprezado hoje em dia (claro, as bandas atuais são feias e tals, mas elas e somente elas o são).

Sem duvida é um álbum que deve ser ouvido primeiramente pela qualidade dele como um todo e das músicas individualmente, e depois para a quebra do enorme preconceito criado em torno do real emo nesses últimos anos (não que eu não concorde que tivemos motivos para isso).

Abraço, aperto de mão, boa noite para todos e já que amanhã é segunda, muita boa sorte - vocês vão precisar.

This Town Needs Guns - Animals.

2009-11-07T22:48:00.007-03:00

Não, eu não morri (ainda), e não, o meu PC não pegou fogo nem foi atropelado por um trator. A verdade é que ele sofreu ataque de vírus do mal que destroem PCs de bons lares e acabam com vidas e casamentos. Mas enfim, como eu sei muito bem que ninguem dá a mínima para isso, vamos ao que interessa, e o que interessa hoje se chama This Town Need Guns.

Descobri essa banda a pouco tempo, mas ela já se tornou uma das mais ouvidas no meu Last.fm (apaguei o meu antigo e fiz esse novo mês passado, e acho que todos deveriam fazer uma conta nessa maravilha virtual) e com orgulho. TTNG é uma banda inglesa de Math Rock/Post-Rock/coisas do gênero com um instrumental e um vocal que, na minha humilde opnião, são lindos. Lemur, Baboon e Zebra são apenas três músicas do CD que cito para tentar a sorte e ver se acreditam no que digo, isso para evitar listar quase todas elas.

Quanto ao CD propriamente dito, considerei muito legal a ideia - que alguns podem considerar clichê ou forçada, não sei - de um álbum chamado Animals trazer treze músicas com nomes de animais, como vocês devem ter percebido pelos exemplos acima, mesmo isso não tendo sido exatamente intencional.

Sério, ouvir essa porqueira desse álbum transmite sensações únicas a quem consegue apreciá-lo, não que isso seja difícil. As músicas se encaixam perfeitamente umas nas outras, quase se completando, mas sem ser aquela coisa tipo um Alien Lanes do Guided By Voices, onde músicas muitíssimo curtas se completam deixando-as estranhas quando ouvidas "soltas". As cordas fluem de uma maneira que me impressiona sempre que ouço, a bateria vai e volta nos meus fones de um modo que quase me deixa tonto, e isso não é nem um pouco ruim. Música sólida e que parece fluir no ar, se é que isso faz algum sentido.

No final das contas o saldo é positivo, muito positivo. Não é todo dia que se encontra uma banda que consegue soar tão leve e ao mesmo tempo tão profunda ou pesada, portanto é essa minha banda do tal dia sete de novembro de dois mil e nove.

Abração e boa vida aê pra todos - ou quase todos.

Propagandhi - Potemkin City Limits

2009-11-06T07:15:00.001-03:00

Bom dia senhores.

Antes de toda e qualquer fala para o dia de hoje tenho que externar aqui o meu pedido de desculpas aos senhores pela ausência de post no dia de ontem. Quintas e sextas-feiras são dias um tanto quanto conturbados para mim uma vez que trabalho em três turnos e, como o PC do Vini foi acometido de uma patologia desconhecida e sem previsão de reanimação, ele também não pôde postar. Mas enfim, vamos logo ao que interessa (imagino eu), que é o post de hoje!

Essa daí é a capa do álbum "Potemkin City Limits" da banda Propagandhi. Punk/Hardcore de altíssima qualidade tanto técnica quanto musical. Para aqueles que são fãs do estilo é uma audição essencial. Toda a combinação de elementos beira a perfeição. As duas guitarras dialogam majetosamente, o baixo faz o que lhe é cabível com maestria e vai além, com a aparição de alguns riffs inusitados que enriquecem mais ainda a estrutura técnica das canções. A bateria é uma capítulo à parte. É sabido que a técnica baterística do Hardcore já é naturalmente exímia, e dentro do universo o senhor baterista da referida banda exerce bem e na verdade muito bem o seu papel; tipo aqueles empregados que quando o patrão chega a pedir alguma coisa ele já fez e de três jeitos diferentes.

O Propagandhi é um som que eu conheci há um certo tempo, por indicação de uma das minhas bandas, o gordinho David, que também é muito entendido em música e principalmente em Hardcore e Indie Rock; aliás vocês ainda verão muitos posts de indicações dele por aqui, só pra constar. Fica aí a minha indicação paara audição desse álbum com parecer extremamente positivo. Som ideal para se ouvir dirigindo ou até pilotando. Só não vá se deixar tomar pela fúria do som e querer passar por cima de todo mundo. No contexto do trânsito recomendo que você aprecie com moderação para evitar eventuais acidentes. No mais rasgue o volume no talo para escutar esse som se quiser absorver tudo que ele tem a oferecer. Bom dia a todos e aquele abraço!

Big Japan - Music For Dummies

2009-11-04T07:50:00.001-03:00

Bom dia senhores.

Nem começou o horário comercial e eu já estou aqui para prestar meu serviço diário de utilidade pública. Dessa vez trarei pra vocês meu comentário crítico acerca de uma banda que me foi indicada pelo meu amigo e aluno Rodrigo Cupertino, ainda na noite de ontem, quando o perguntei se ele tinha alguma sugestão de banda para mim. A degustação de hoje será da banda "Big Japan". Ou talvez o termo "aperitivo" se encaixe melhor dado o tamanho do álbum que foi apreciado.

O pequeno "Music for Dummies", de apenas 8 faixas parece pra mim uma grande apostila de módulos básicos de instrumentos básicos em uma banda. Os arranjos são bem simples, as montagens de acordes óbvias, o baixo marcado, bateria em "rock1" e "rock 2". O quê? Você tá achando que isso é ruim? Esse álbum é coisa linda de Deus e leva o selo de garantia Vouficarodiainteirodebobdeitadonosofatomandoleitequenteescutandoboamúsica Entreprises Corporation. Ele é composto basicamente por baladinhas 2/4, curtas e objetivas (à excessão de "Life Saver", que tem 6:06) que transmitem sua mensagem sem malemolência e chegam sucinta e rapidamente aonde devem chegar. À minha visão o álbum não tem grandes pretenções do tipo das que fazem você refletir sobre uma abrangente prerrogativa, ou se questionar sobre a atual situação do planeta, ou ter vontade de ir às ruas gritar por "diretas já" (err...um pouco desatualizado, mas enfim..). Fica claro pra mim a proposta do álbum: divertir e ponto. Em quaisquer que sejam os domínios de "divertir"; isso quem define é você. Talvez também "distrair" seria uma boa aplicação para o mesmo.

Dada a simplicidade das construções, não se fazem necessárias muitas delongas acerca da estrutura musical das canções; elas estão aí, você as escuta, as entende e é isso aí. Sem chorumelas. Destaque para "Enchantment Under The Sea", uma valsinha super aconchegamente, digna das cenas mais melosas de qualquer filme do tipo "Meu Primeiro Amor". Um bom som para escutar quando você não tiver nada pra fazer e estiver despretenciosamente curtindo um dia de folga. Aquele abraço hein!

Ride

2009-11-03T21:17:00.002-03:00

Boa noite senhores.

O dia hoje foi tenso, mas deu pra fazer a audição do novo som do dia. Na verdade mesmo, hoje, completei a audição, que na verdade comecei ontem. Como o Vini fez o post ontem eu tive mais tempo pra apreciar o som dessa banda que eu até então nunca tinha ouvido falar, e que, na verdade, ainda também não ouvi. Perguntei ao Vini se ele conhecia, ele também teve a mesma resposta que eu. Mas, enrolações e prelúdios a parte, vamos ao que interessa: a análise em si. A banda se chama "Ride" e esta na seção de clichês rotulados do musicsharing4all como "Alternative Rock".

Eu baixei dois álbuns da banda para degustação; o primeiro foi "Going Blank Again", de 1992 e em seguida "Tarantula", de 1996. Na audição de primeiro eu juro que o efeito que se deu sobre mim foi de sonolência. Arranjos emaranhados e uma saltitante necessidade de "mostrar serviço", floreando cada segundo de música. Algumas faixas são faroestecaboclamente grandes, carregando um tom massante e morno. Muita distorção, agudos, melodias arrastadas; pouca qualidade, de fato. Quando parti para a audição so segundo álbum, naturalmente dei o play já com o pé atrás e munido de muito senso crítico daquele modelo mais dispensável de todos. Mas, como levo muito a sério o meu serviço de utilidade pública, eu tinha de ouvir o álbum até o final para dar o meu veredito. Grande surpresa na audição desse álbum, deveras diferente do primeiro. Fica clara e explícita a maturidade musical que os anos trouxeram aos rapazes dessa banda. O álbum é sortido de faixas com um Hard Rock de final de anos 70 com um leve quê folkiano, trazendo ainda ótimas baladas - destaque para "Mary Anne" e "Sunshine/Nowhere to Run", que tem um trabalho de percurssão bem feito, um riff introdutório agradável (que se você prestar bem atenção lembra "Ode to My Family" do Cranberries) e uma montagem de acordes condizente com o clima da música. Fica a dica pra quem quer um bom som pra por de manhã enquanto toma café ou ainda andar de bicicleta ao fim da tarde. Na minha reles avaliação vale escutar os dois álbuns, até para ter um contraponto de avaliação; contudo, o álbum "Tarantula" sai muito na frente do "Going Blank Again". Aliás, o nome do álbum de 1992 é bem sugestivo ao que você deve fazer depois de escutá-lo. Aquele abraço a todos; até a próxima!

That Handsome Devil - A CIty Dressed In Dynamite.

2009-11-02T13:23:00.005-03:00

Muito bem, novo dia nova banda. E a dita cuja de hoje é a nem-tão-comentada That Handsome Devil.

A primeira vez que ouvi os caras, confesso que fiquei meio ressabiado, sejamos francos, o som deles é muito maluco e sem nexo - não espere músicas lineares ou algo que valha, espere algo que você não tenha ouvido antes, porque é isso que encontrará. O álbum é lindo, a sua maneira, claro. Oswaldo me citou no post anterior e ficou meio que

óbvio o fato d'eu não ser bom classificando estilos musicais, mas eu te desafio a conseguir colocar That Handsome Devil em menos de quatro tags, o CD passa por coisas como jazz, blues, funk, reggae, rap, rock e, se você ouvir com atenção, até rockabilly conseguirá encontrar. E a mistura não fica nem um pouco ruim.

As músicas não são exatamente bonitas, no sentido literal da palavra. Falam de drogas, revoltas contra impostos e vidas que você não verá na novela do horário nobre da sua televisão (que você não deveria ver, caso veja - só para constar). Dentre as onze músicas que compõem este álbum, acho difícil achar uma que não é, de um modo ou de outro, contagiante, o instrumental inconstante e inesperado, junto com o vocal único formam um conjunto que, ao menos para mim, soa beirando o genial. Não esquecendo de certos diálogos que brotam entre as músicas, ou no meio delas mesmo (não, não é nenhum Storytelling com músicas inteiras baseadas em conversas ou algo do tipo). Imagine uma realidade suja, coloque músicos realmente talentosos cantando-a e você terá uma Wintergreen e uma Rob The Prez-O-Dent embelezando seus ouvidos.

Um álbum que passou praticamente despercebido em 2008 chega agora em suas mãos e eu espero que veja ele com os mesmos ótimos olhos - e ouvidos - com os quais o recebi.

Um abraço e até a próxima.

RX Bandits - And The Battle Begun

2009-11-01T16:12:00.002-03:00

Boa tarde senhores!

Olha, enquanto muitos de vocês estão aí assistindo a emocionante disputa pela liderança do campeonato, ou dando RT's em posts no twitter, ou ainda editando suas fotos para posterior postagem, eu estou aqui fazendo um serviço de utilidade pública. Tudo bem que talvez a utilidade seja maior para mim do que para os outros, mas, enfim, também não deixar de ser. Mas antes que eu discorra acerca da mesma, deixe-me, como gentilmente fez meu camarada Vinicius Vargas, me apresentar. Eu sou o Oswaldo Tibúrcio, tenho 23 anos, curso a faculdade de Letras com habilitação em Lingua Inglesa na Universidade do Estado da Bahia e sou professor dessa disciplina em duas instituições particulares. Sou também músico e atualmente toco em duas bandas. Sou escritor amador e esporádico e tenho muito interesse em música e sobretudo nas milhões de matizes que preenchem esse "planeta véi catarrento barrigudo de fêra" que habitamos. Sem mais delongas, retomando o tal "serviço de utilidade pública", estava até agora ouvindo o álbum "And The Battle Begun" da banda "RX Bandits", por indicação do Vinícius, que apontou-me-a como uma banda nova de punk/hardcore/ska/reggae/dub/pop/urban/fuckthemothafuckalabels rock.

Ignorando todos esses lindos rótulos, parti para a audição do referido produto. Tenho que dizer primeiro que três suposições permeiam a avaliação inicial desse som. 1ª) Os caras da banda têm uma noção musical fudida (lê-se "fudida" por "estupidamente boa"). 2ª) Os caras têm um produtor fudido. 3ª) Suposições 1 e 2 juntas. De fato a proposta do álbum é bem abrangente, passando aí pelo mero pop, ska muito bem feito, pitadinhas de reggae e algumas ocorrências que poderiam levar você a lembrar de inúmeras bandas. A mim, que sou um reles metido a pseudo crítico musical, fez lembrar elementos de "Sublime", "Mad Caddies" e até por algumas vezes "Maroon 5". O pouco ganho nas distorções das guitarras é algo que pra mim é ponto positivo, pois, é claro o que se pode "mascarar" com uma boa distorção, e, a ausência disso só enaltece a habilidade e perícia das guitarras que trazem notas claras e definidas, mesmo com o uso de alguns efeitos.

A composição dos instrumentos em conjunto trazem a você uma atmosfera envolvente, que varia de atos como em uma bem elaborada peça de teatro, daquelas que ora fazem você prestar bastante atenção e se sentir envolvido, e ora te despertam do assento e fazem você querer se mecher. É um bom som para figurar coisas do cotidiano, se você por acaso estiver pretendendo fazer uma montagem de vídeo sobre isso. No mais, a minha avaliação é de longe, extremamente positiva e fica a minha indicação. Aquele abraço a todos e bom resto de domingo! xD

Boa tarde.

2009-11-01T14:33:00.001-03:00

Então, começando agora (14:37) o projeto 'Uma Banda Por Dia', hoje (domingo) é um belo dia chuvoso e por aí vai. Na verdade não vou começar literalmente agora, já que não estou postando nenhuma banda, mas deveria me apresentar ao menos, né.

Eu sou Vinícius, tenho 19 anos, 'tô morando na Bahia e nessas últimas horas nosso caríssimo Oswaldo me convidou para iniciar essa parada que achei realmente legal e topei. Tem informações sobre mim no meu perfil desta coisa aqui então não vou enrolar muito no primeiro post. E só pra não falar que foi um post inútil e levando em consideração que é um site sobre música, vou no mínimo falar o que estou ouvindo agora pra constar alguma coisa, e estou ouvindo The Datsuns, o álbum Head Stunts - que por sinal está realmente me agradando, um bom hard rock/garage rock atualzinho que vocês deveriam ao menos ouvir uma vez na vida.

Abraços e até a próxima.